Современные дизайнеры и декораторы все чаще переосмысляют пасхальную сервировку, показывая: чтобы передать настроение праздника, не обязательно обращаться к буквальному тематическому декору или традиционной палитре. По просьбе Design Mate декораторы Анна Стриж и Дарья Домнышева подобрали несколько предметов локальных брендов для оформления стола, а также рассказали об актуальных тенденциях пасхальной сервировки.

Анна Стриж и Дарья Домнышева декораторы

Пасхальная сервировка больше не строится вокруг зайцев и ярких декоративных яиц. За последние годы она сместилась от буквальной иллюстрации праздника к более тонкому, почти интерьерному жесту. Актуальное оформление стола продолжает пространство в материалах, палитре и ритме. Яркие контрасты уступают место сложным, приглушенным оттенкам, а вместо глянцевого блеска на первый план выходят матовые поверхности. Неровная керамика, смятый текстиль и асимметрия больше не воспринимаются как недостатки: наоборот, именно в них появляется ощущение естественности и жизни.

Пасхальная сервировка, созданная Анной Стриж и Дарьей Домнышевой.
Фото: Анастасия Клименкова

Тематический декор, искусственные материалы и перегруженность деталями постепенно уходят в прошлое. Даже яйцо перестает быть обязательным элементом и становится частью композиции или исчезает вовсе. Современная сервировка — это не украшение стола, а способ задать тон всему опыту: как человек сядет, что почувствует, на что обратит внимание. И, возможно, именно в этой сдержанной, почти тихой интонации сегодня точнее всего считывается сам дух праздника.

Тарелка «Пупырка» thekindergarten

Фото: thekindergarten

Овальное блюдо с графичными кобальтовыми «пупырками» становится акцентом пасхального стола. Минималистичная форма подчеркивает подачу, а объемные детали добавляют ритм и тактильность. На такой тарелке эффектно смотрятся крашеные яйца или небольшие закуски. Предмет работает как самостоятельная композиция и как чистый фон для сезонной сервировки.

Боул черный Wild Muse

Фото: Wild Muse

Матовая черная чаша с неровным краем — объект на границе ремесла и скульптуры. Сдержанная палитра подчеркивает глубину формы и делает подачу более эффектной и контрастной. В пасхальной сервировке боул может стать выразительной основой для кулича или темного хлеба, создавая эффектный диалог света и тени.

Овальное блюдо «Рихтер» DVX

Фото: DVX

Фарфоровая тарелка без борта мягкой органической формы задает спокойный тон столу. Несколько углублений позволяют выстроить раздельную подачу — например, для яиц или небольших сезонных закусок. Лаконичный дизайн поддерживает концепцию современной пасхальной сервировки без перегруженности деталями.

Чашка «Кватро» Мария Кеслер

Фото: Мария Кеслер

Керамическая кружка с архитектурной геометрией напоминает миниатюрный объект современного искусства. Ее конструкция из пересекающихся объемов делает даже привычный напиток частью дизайнерской композиции. На пасхальном столе чашка поддерживает общую эстетику и добавляет выразительный акцент.

Свечи «Баба» Чайка Рита

Фото: Чайка Рита

Свечи вдохновлены русским фольклором — вышивкой, оберегами и народной пластикой. Их форма добавляет столу культурный контекст и мягкое декоративное звучание. В пасхальной сервировке свечи создают атмосферу тепла и торжественности, поддерживая светлый характер праздника.

Льняная салфетка WE-A-VE

Фото: WE-A-VE

Натуральный лен с подчеркнутой фактурой формирует спокойную основу стола. Сдержанный оттенок объединяет предметы сервировки и поддерживает сезонную палитру. В пасхальном контексте текстиль работает как нейтральный фон, усиливающий композицию без визуального шума.

Креманка Павловский завод им. Кирова

Фото: Павловский завод им. Кирова

Стеклянная креманка на ножке добавляет сервировке легкость и высоту. Ее классический силуэт делает подачу более торжественной. Для пасхального стола в ней можно подать икру, ягоды или легкие десерты — прозрачность формы подчеркивает свежесть продуктов.

Винтажные подсвечники Gabi

Фото: Gabi

Высокие металлические подсвечники с полированной поверхностью формируют вертикальный ритм стола. Отражая свет, они усиливают праздничную атмосферу и создают архитектурную композицию в пространстве. В пасхальной сервировке такой акцент поддерживает торжественность и структурирует общий образ.

На обложке: пасхальная сервировка, созданная Анной Стриж и Дарьей Домнышевой. Фото: Анастасия Клименкова.

Система Julian, вошедшая в коллекцию 2026 года итальянского бренда MolteniandC, состоит из монолитных блоков, дополненных мягкими подушками и валиками. По задумке дизайнера, модульная конструкция позволяет размещать диваны как в компактных пространствах, так и в более просторных помещениях. При создании модели Винсент ван Дуйсен исходил из идеи, что человек будет двигаться вокруг дивана, как вокруг скульптуры: «Контрастный профиль определяет его ритм, притягивает взгляд, направляет его по поверхности и раскрывает тонкие конструктивные детали», andmdash; отметил он. Как дополняет команда фабрики, подушки спинки поддерживают композицию благодаря перекликающейся контрастной строчке, усиливая ощущение визуальной целостности. Модель будет выпускаться в разных вариантах кожаной и текстильной обивки.

Фото: MolteniandC.

Испанский бренд nanimarquina объединился с Eames Office и Form Portfolios для создания коллекции ковров и гобеленов по мотивам рисунков Люсии Имз. В нее вошли модели с изображениями бабочек, птиц, солнца и абстрактных органических форм, отсылающих к семи работам американской художницы, дочери дизайнеров Чарльза и Рэй Имз. Чтобы передать выразительность оригинальных произведений, команда использовала традиционные техники, в том числе скульптурную вязку и ручное плетение из джута. Ручные узлы, строчка и вышивка позволили перенести композиции в трехмерный формат. Изделия изготавливаются вручную сообществами ремесленников в Индии и Пакистане. Большинство ковров выполнено из мономатериалов, что делает их пригодными для вторичной переработки.

Команда nanimarquina представит коллекцию Lucia Eames на Миланской неделе дизайна в рамках иммерсивной инсталляции Make the everyday sacred.

Заказчики этого проекта — семья, которая управляет собственной сетью клиник и много путешествует по всему миру. Они обратились к команде студии MISURA HOME с запросом на динамичный интерьер с ярким характером и винтажными предметами. Их квартира с террасой и маркизой находится на первом этаже, поэтому Светлана Светлицкая постаралась продолжить ощущение загородного дома в центре города.

• Локация:Нижний Новгород
• Площадь: 96 м²
• Авторы: Светлана Светлицкая, Студия дизайна и декора MISURA HOME
• Фото: Юрий Прокофьев
• Стиль: Светлана Светлицкая

Исходная планировка объекта была многообещающей, но точечные корректировки внести пришлось: команда выделила небольшую гардеробную и увеличила гостиную за счет гостевой спальни. При этом в квартире сохранилось много узлов, которые требовали тщательной проработки вплоть до миллиметра — дизайнеры уделили им особое внимание, чтобы бесшовно состыковать все элементы. В гостиной доминирует глубокий коричневый тон стен, создающий атмосферу камерности и уюта. Большой диван Jab цвета топлёного молока с бархатистыми подушками дополняет галерея картин в позолоченных и деревянных рамах. Благодаря обилию деталей оформление пронизано настроением старинного европейского салона. Кухня и столовая зона продолжают камерную палитру. Оливковая стена объединяет композицию, а подвесной антикварный буфет с витражными стёклами добавляет минималистичному гарнитуру Leicht нотку ностальгии. Лаконичная мебель поддерживает общую теплоту: стол выполнен из массива дерева, а чёрные ножки — из металла. При всей своей винтажности и сочетании эпох интерьер оснащен современными технологиями, системой «умный дом» и техникой для мобильности и удобства. Свет здесь выступает главным выразительным инструментом, формирующим обволакивающий характер пространства. Многоуровневые сценарии освещения сочетают верхний свет для сборов на работу и декоративные светильники Trinity, подвесы Triangle и люстру Hudson Valley.

Команда KIDZ разработала интерьер семейного ресторана «Зорька». Концепция выстраивалась из желания создать место, куда гости захотят регулярно возвращаться. Заказчики пришли с запросом на теплое выразительное оформление, связанное с локацией и ее памятью. Чтобы спроектировать пространство, которое будет выступать точкой притяжения для разных поколений, дизайнеры обратились к натуральным материалам и многослойности.

• Локация:Брянск
• Площадь: 288 м²
• Авторы: KIDZ
• Фото: Наталья Покровская

Интерьер выстраивался как метафора формирования человека: от чистого листа — к комплексу традиций и культуры. Отделка здесь работает как сдержанный фон, на который накладываются темные деревянные панели и колонны с орнаментом, отражающие философию ресторана. Финальным слоем оказалось несовершенное светлое дерево со сколами и трещинами, формирующими ощущение уюта и семейного тепла. Центром планировочного решения выступил бар, который первым встречает гостей. Конструкция с металлическим каркасом отличается прочностью и позволяет создать крупный монументальный объем. Далее планировка делится на две части с посадками разного формата. Пространство организовано через простые формы и плавные линии, а по мере продвижения вглубь зала концепция усложняется за счет стилизованных деталей. Элементы из нержавеющей стали в сочетании с древесиной подчеркивают современный характер оформления. Выразительность проекта обеспечивает контраст холодной бетонной штукатурки с экологичными материалами. Колонны облицованы панелями ручной резки, а фрезерованные узоры на торцах мебели и авторские светильники сформировали детализированную, но не перегруженную среду. Растительность здесь разделяет зоны посадки, обозначает «островки» уюта и усиливает динамичность живого пространства.

Лондонский дизайнер MJ Fraser разработал коллекцию освещения, навеянную его детскими воспоминаниями о деревьях в саду. Объекты выполнены из биоразлагаемого термопластика, а основой будущих форм служат стволы, кора и ветки, что создает визуальный контраст природного и искусственного. В отличие от традиционного применения древесины в предметном дизайне, Мэтью Фрейзер делает акцент на текстуре, неровностях и естественных узорах дерева, перенося их на модульные элементы будущих светильников. Дизайнер также уделяет внимание устойчивости метода: термопластик на 30% состоит из отходов опилок, а его обрезки нагреваются и повторно используются в качестве сварочного материала или внутренних конструктивных элементов. По словам Фрейзера, он не задействует дополнительные связующие в процессе изготовления предметов и покрывает поверхности натуральной минеральной краской.

Фото: MJ Fraser.

Комплекс Not A Hotel Setouchi, расположенный на отдаленном острове Сагисима, стал первым завершенным проектом датского бюро в Японии. Он занимает участок площадью 30 000 квадратных метров на юго-западном мысе острова и состоит из трех вилл. Дизайн-концепция опирается на традиционную японскую архитектуру, переосмысленную через призму скандинавской эстетики. Так, стеклянные фасады стирают границу между интерьером и экстерьером, отсылая к перегородкам сёдзи, а черные шиферные полы напоминают геометрию матов татами. Несущие стены сооружений выполнены по древней технологии утрамбовки грунта, за счет чего они гармонично перекликаются с силуэтами холмистого пейзажа. Команда интегрировала в проект ряд устойчивых решений: например, крыши покрыты черепицей с низким коэффициентом отражения солнечных лучей, фасады и свесы обеспечивают пассивное охлаждение, а сбор дождевой воды способствует озеленению территории. Перед началом строительства архитекторы собрали местные травы, которые позже посадили рядом с лимонными и оливковыми деревьями для восстановления характерного волнистого рельефа. Каждая вилла вмещает четыре спальни и открывает панорамные виды на окружающий пейзаж.

Фото: Kenta Hasegawa.

Завершился девятый сезон международного конкурса реализованных проектов Гран-при KERAMA MARAZZI. В 2025 году жюри рассматривало работы в нескольких категориях – от жилых и общественных интерьеров до инфраструктурных объектов и арт-проектов. По словам организаторов, одним из самых сложных для оценки направлений стала «Индустрия гостеприимства»: разрыв между финалистами оказался минимальным, а итоговое распределение мест определили буквально несколько баллов.

Наибольшее число заявок традиционно поступило в категорию жилых интерьеров. Победителем стала Мария Серебрянская с проектом «Текстуры жизни» – переосмысленной квартирой для молодого человека, где кухня и гостиная объединены в единое пространство, а динамику интерьеру задает графичный рисунок пола и яркая цветовая линия. Второе место заняла Анна Новикова с домом в «Подмосковной Швейцарии», где ар-деко соединяется с винтажной мебелью, а третье – Юлия Яловега с загородным домом в скандинавской эстетике. Отдельную награду «Приз симпатий жюри» получила Мария Яшина за интерьер «Простая геометрия», вдохновленный эстетикой Баухауз и построенный на контрастных цветовых блоках.

В категории общественных интерьеров победил проект фитнес-клуба DRIVE BLACK Яны Михайловой, где характер пространства формируется игрой света на фактурных поверхностях. В индустрии гостеприимства первое место занял пятизвездочный курортный комплекс FÜNF Luxury Resort and Spa в Анапе, спроектированный Еленой Ткачевой, а среди инфраструктурных проектов лучшим признан межвузовский кампус Евразийского научно-образовательного центра в Уфе. В номинации арт-объектов победил мозаичный диптих «Спортсмены» Анастасии Москвиной, посвященный итальянским видам спорта и выполненный в римской технике андаменти.

Торжественная церемония награждения лауреатов состоялась 2 апреля 2026 года в Москве в рамках международной выставки MosBuild. Конкурс проводится ежегодно и собирает реализованные проекты, демонстрирующие актуальные тенденции в архитектуре и интерьерном дизайне с использованием материалов KERAMA MARAZZI.

С 28 по 31 мая в Казани пройдет фестиваль медиаискусства НУР, и на четыре дня город станет площадкой для экспериментов со светом, звуком и цифровыми технологиями. Каждый год команда не только показывает, чем живет медиаискусство прямо сейчас, но и демонстрирует эволюцию собственного визуального стиля. За шесть лет визуальная коммуникация проекта превратилась в систему элементов, форм и смыслов, которая реагирует на программные нововведения и изменения в медиаискусстве и городской среде. Разбираемся, как устроена ее трансформация и почему для организаторов принципиально важно не повторять себя.

2021: луч как исходная точка

Фестиваль НУР запустили в 2021 году сооснователи студии formate Рашид Османов и Дидар Оразов. Слово «нур» в переводе с татарского языка означает «луч», а само название расшифровывается как «Новая Уникальная Реальность». Эту игру слов и смыслов дизайнеры перевели в язык сигналов: основой айдентики стала графика осциллографа — прибора, который визуализирует электрические импульсы. Такая метафора напрямую связана с природой медиаискусства, где свет, звук и данные превращаются в изображение.

По словам хэд-дизайнера НУР Ренаты Мифтаховой, характерный для экрана осциллографа зеленый цвет тоже выступил отправной точкой айдентики фестиваля. Черный фон и кислотно-зеленые линии напоминали интерфейсы лабораторных устройств и сформировали технологичный, немного андеграундный образ.

Одним из первых, кто точно считал фирменный стиль фестиваля, был художник Покрас Лампас. Внимание со стороны яркого представителя современной каллиграфии стало для команды особенно ценным. Как вспоминает Рашид Османов, художник согласился выступить с лекцией на фестивале именно после просмотра презентации с визуальным стилем НУР, отметив, что дизайн стал для него сигналом сильной идеи.

2022–2023: графика становится пространством

В последующие годы осциллографическая волна сохранилась как стержень визуального кода фестиваля, обретя новый контекст, объемные формы, световые структуры и абстрактные объекты.

Переход из плоскости в объем вторил развитию самого фестиваля. В 2022 году НУР прошел в Казани во второй раз, расширил географию и представил шоукейс на Новой сцене Александринского театра в Санкт-Петербурге, а в программе стало больше индустриальных площадок — подземных и технических пространств. Визуальный язык отреагировал на эту среду: графика обрастала брутальными текстурами стекла, металла и камня и становилась более объемной и «архитектурной», сохраняя центральный мотив.

2024: архитектура и структура

К четвертому году НУР заметно вырос и вышел за пределы локального медиаарт-сообщества, привлекая более широкую аудиторию. В 2024 году фестиваль также сменил сезон — с осени на весну, что стало ключевым импульсом к обновлению.

Айдентика отразила возросший масштаб и новый ритм: она стала более легкой и открытой. Если в предыдущие годы графика во многом строилась на выраженной сетке, то теперь она уступила место более свободным композициям. Цветовая палитра заметно посветлела — в ней появилось больше воздуха и яркости, что усилило ощущение открытости и подчеркнуло «переезд» фестиваля на весну. Параллельно обновилась и типографика: новая гарнитура задала более современный и универсальный тон, который используется в айдентике до сих пор.

2025: год рефлексии

К пятилетию фестиваля команда впервые посмотрела на НУР как на проект со сложившейся историей. За предыдущие годы сформировался набор ключевых элементов: осциллографические узоры, сетки, текстуры, а также новые цветовые и типографические сочетания.

Перед командой стояла задача создать символ, который бы отражал пятилетие, был визуально ярким и одинаково хорошо работал в разных форматах — от цифровых носителей до городской среды. Так появилась стилизованная цифра «5», напоминающая силуэт молнии — мощного искрового разряда, в котором соединяются свет и звук, как и в самом медиаискусстве. Кроме того, в айдентику вернулась сетка — как отсылка к первому фестивалю. Дополнительным выразительным приемом стал фигурные скобки {}, заимствованные из языка программирования: они символизировали объединение элементов и усилили технологический характер.

2026: пиксели и игровые миры

Прошлый год показал, что внимание к медиаискусству растет, а НУР стал по-настоящему значимым городским событием, вызывающим интерес далеко за пределами Казани. Айдентика шестого фестиваля приобрела игровое звучание, при этом часть прежних элементов была переосмыслена: осциллографическая волна ушла из логотипа, чтобы его было проще масштабировать и дать пространство другим образам.

Основой графики стала гибкая пиксельная сетка, отсылающая к LED-экранам. Внутри нее появляется ключевой образ — пейджер, в котором разворачивается вся визуальная «вселенная» с персонажами и другими элементами. Обращение к эстетике ранних цифровых интерфейсов и видеоигр сделало язык фестиваля более доступным и эмоционально вовлекающим, сохранив его технологичность.

Рената Мифтахова хэд-дизайнер НУР

Мы хотели добавить больше живых и понятных деталей, сохранив основу. Игровые элементы дали гибкость — айдентика стала легче адаптироваться под разные темы, при этом оставаясь целостной.

Дизайн как хроника фестиваля

Несмотря на ежегодные изменения, у визуального языка НУР есть опорные элементы: сеточная система, осциллографические узоры, характерная цветовая гамма. Эти константы присутствуют всегда, но каждый раз получают новое прочтение — в зависимости от того, как меняется сам фестиваль.

Рашид Османов сооснователь студии formate и фестиваля НУР

Мы не меняем дизайн ради самой перемены. Наоборот, он развивается органично: растет фестиваль, расширяется аудитория, трансформируется наше понимание того, как мы хотим выглядеть и что этот год должен рассказать аудитории.

Таким образом, фирменный стиль НУР становится своего рода визуальной хроникой проекта. Он обновляется каждый год, фиксируя текущее состояние фестиваля, и именно это позволяет оставаться узнаваемым, а организаторам — не повторяться.

Фото на обложке: Алексей Копылов.Все изображения предоставлены пресс-службой фестиваля НУР.

Отправной точкой проекта кофейни Templess в Белграде оказался локальный контекст: кофейная культура Сербии оторвана от мировых трендов. Из этой особенности родилась идея ультрасовременного пространства, которое станет местным трендсеттером в сфере общепита. Эффектный облик интерьера определил скромный метраж объекта: на двадцати квадратных метрах предстояло найти баланс между практичностью, яркими деталями и лаконичной палитрой.

• Локация: Белград
• Площадь: 22 м²
• Авторы: Ольга Богаткина
• Фото: Kay.T
• Стиль: Александра Пыленкова

Небольшой метраж кофейни подтолкнул Ольгу Богаткину к метафоре интерьера как линзы, фокусирующей внимание гостя на главном. Базу оформления сформировали белая штукатурка и бетонные поверхности. Особенно эффектно она смотрится на потолке, украшенном нарочито грубой сеткой «рабица». Она становится фоном для сценографии пространства — сквозь ее сегменты струится разноформатный свет, создавая на стенах сложный динамичный узор. С его помощью дизайнер воплотила в жизнь отсылку к индустриальному прошлому локации и одновременно — к бесконечности космоса. Зрительно увеличить помещение помогли выполненные на заказ зеркальные панно, связывающие интерьер с городской средой. Особую роль в проекте играют советские стеклоблоки, которые заменяют традиционную лавочку, превращая утилитарный материал в объект диалога эпох. Их прозрачная тяжеловесность контрастирует с легкостью стеклянных столов с градиентом. Выполненные местными мастерами, они визуально поддерживают яркие скульптурные стулья, напоминающие предметы Патрисии Уркиолы. Выразительные формы приглашают посетителей задержаться за работой или дружеской беседой. Оживить пространство призван лаконичный декор: книги и графика воспринимаются как часть личной коллекции основателя или артефакты, рассказывающие свою историю.

Середина апреля запомнится новыми событиями: в Ростове-на-Дону пройдут Российские Дни Дизайна и Архитектуры, а в Москве расширяют свои культурные программы музей «ЗИЛАРТ» и Центр Зотов. На этой неделе также можно успеть заглянуть на выставку фотографии в ЦВК Béton и в галерею Set Projects, резиденты которой через призму разных художественных подходов посмотрят на образ современной кошки.

Российские Дни дизайна и архитектуры в Ростове-на-Дону

8-10 апреля. Цена: бесплатно

С 8 по 10 апреля в Ростове-на-Дону пройдет пятый сезон Российских дней дизайна и архитектуры, благодаря которым город вновь станет местом встречи регионального сообщества дизайнеров, архитекторов, декораторов и мастеров. В этом году формат проекта расширится за счет новых блоков. Гостей по традиции ждет масштабная дизайн-выставка и Форум РДДА для профессионалов с участием ведущих экспертов индустрии, среди которых Диана Балашова, Дмитрий Якубов, Наталья Преображенская, Никита Зуб, Александра и Дмитрий Чащины, Мария Грушева, Анна Илющенко, Дмитрий Дурнев, Андрей Древаль, Екатерина Хренникова, Кристина Маркова и другие. Вход на событие бесплатный по предварительной регистрации.

Концерт «Бесконечная репетиция. Время, когда рыбы думают о прошлом»

11 апреля, 19:00. Цена: 800 ₽

«Бесконечная репетиция» — лаборатория экспериментальных музыкальных событий: мастер-классов, перформансов, иммерсивных концертов и музыкальных опытов, которые позволяют по-новому взглянуть на искусство и музейное пространство. Это ещё не привычный концерт, но уже и не тишина: музей создает условия для совместного творчества, а музыка возникает здесь и сейчас, в процессе. Композитор, басист, аранжировщик и художник Александр Ростоцкий в своём концерте в рамках цикла «Бесконечная репетиция» приглашает слушателей в путешествие по воображаемым музыкальным мирам.

Выставка «Страна Наума Грановского»

9 апреля – 7 июня. Цена: 500 ₽

Образовательный проект Masters и Галерея Люмьер в культурном центре «Левашовский хлебозавод» представляют экспозицию «Страна Наума Грановского», которая вслед за одноименной книгой предлагает нестандартное прочтение фотографического наследия знаменитого мастера, чьё имя неразрывно связано с летописью Москвы ХХ века. Проект фокусируется на малоизученном аспекте творчества Наума Грановского — кадрах, запечатлевших яркое многообразие жизни республик бывшего СССР. В советскую эпоху архитектурная фотография была ключевым инструментом формирования образа городов и республик.

Выставка «Дзига Вертов. Киноглаз»

26 февраля – 26 июля. Цена: 700 ₽

К выставке готовится масштабная кинопрограмма «Дзига Вертов. Опыты реальности». Она объединит ретроспективу фильмов самого Дзиги Вертова, картины его соратников, последователей и идейных антагонистов. Программа делится на три части: первая состоит из работ мастера, дающих представление обо всех периодах его творчества. Вторая включает в себя фильмы, созданные единомышленниками-«киноками» в 1920–1950-е годы; заключительная часть представит фильмы режиссеров-документалистов, как творчески развивающих вертовские традиции, так и последовательных противников методов неистового Дзиги.

PAWS COMMS x Set Projects: «Выставка кошек»

29 марта – 10 мая. Цена: бесплатно

На этой выставке никаких медалей самой лучшей кошке, потому что все кошки одинаково прекрасны — и это докажут авторы. Кошка в проекте — не просто милый персонаж, а культурный код: интернет-икона, домашний идол и самостоятельный художественный образ.В цифровой среде этот образ давно стал перенасыщенным и бесконечно воспроизводимым. «Выставка кошек» предлагает посмотреть на него иначе — замедлить взгляд и вернуть кошку из потока изображений в пространство реального опыта и художественной практики.

Виртуальная инсталляция «Живешь лишь однажды»

29 апреля 2025 – 30 апреля 2026. Цена: 1 000 ₽

«Живёшь лишь однажды» – арт-инсталляция виртуальной реальности – уникальная возможность совершить путешествие по «Саду земных наслаждений» Иеронима Босха, попасть в пространство легендарного шедевра мировой живописи. В философском и ироничном видеовысказывании цифровых художников о смыслах произведения великого нидерландского живописца представлены размышления на тему сладострастия, которые так и не были разгаданы исследователями. От триптиха Босха невозможно оторвать взгляд – он вовлекает зрителя в своё пространство. Используя последние технологии виртуальной реальности, вы совершите погружение в художественный мир «Сада земных наслаждений».

Выставка Intervals Exhibition

13 марта – 18 октября. Цена: 1500 ₽

В Севкабель Порту откроется Intervals Exhibition — новый выставочный формат от команды dreamlaser, организатора международного фестиваля медиаискусства INTERVALS. Первая выставка в рамках Intervals Exhibition называется «Траектории интервалов», она продолжает тему фестиваля 2025 года и представит работы медиахудожников из России, Тайваня, Великобритании, Мексики и Венгрии. Зрители смогут выстраивать собственные маршруты перемещения между инсталляциями, создавая индивидуальную последовательность восприятия. Выставка будет дополнена серией аудиовизуальных перформансов.

Выставка «Пижоны. Праздник каждый день»

25 февраля – 12 апреля. Цена: 350 ₽

Центр визуальной культуры Béton представляет выставку «Пижоны. Праздник каждый день». В экспозиции более 60 авторских отпечатков африканских фотохудожников – Малика Сидибе и Бодуэна Муанды. В Сидибе объективе расцветает смехом жизнь ночного города, пижоны африканских шестидесятых — в ультрамодных костюмах, тёмных очках и на мотоциклах — с юношеской дерзостью хотят взять от жизни всё. Они полны энергии, страсти к жизни и надежд на будущее. По словам фотографа, образ Африки слишком часто ассоциировался со страданиями, бедностью, несчастьями, а он в своих работах всегда хотел показать красоту и силу жизни.

На обложке: международный фестиваль медиаискусства Intervals.

Бельгийская студия представит новые объекты на выставке Silhouettes: Celebrating 15 Years в арт-пространстве Ordet во время Миланской недели дизайна. Проект, разработанный совместно с галереей Tim Van Laere и издательским домом Apartamento, объединит недавние работы команды andmdash; светильники и массивные алюминиевые подсвечники в натуральную величину. Последние отсылают к ранним предметам Muller Van Severen andmdash; гидриду кресла и шезлонга Duo Seat и креслу Rocking Chair, andmdash; а также к более новым проектам, таким как серия мебели Wire и шкаф Bridges для бренда BD Barcelona. Результатом экспериментов с формой, масштабом и пропорциями стали 15 скульптурных изделий, дополненных высокими цветными свечами.

К выставке команда выпустит монографию A Lot of Work, в которой будут представлены как совместные работы основателей, так и их индивидуальные проекты.

Фото: Muller Van Severen.

На предстоящей Миланской неделе дизайна итальянский производитель офисной мебели UniFor представит коллекцию MTM – Made to Measure and Giuditta, которая продолжает сотрудничество бренда с архитекторами Herzog and de Meuron. В новую серию вошли объекты разного масштаба и типологии, от диванов, кресел и журнальных столиков до стола для настольного тенниса. Предметы объединяет конструктивная система, состоящая из прочных угловых рам. Деревянные элементы скрепляются при помощи замкового соединения: по задумке швейцарского бюро, такое решение создает прочный каркас без ущерба визуальной легкости. Мягкая обивка мебели выполнена из пробковой кожи, которую команда выбрала благодаря ее привлекательной текстуре и тактильным свойствам. Среди других материалов в коллекции присутствуют травертин, цветное стекло и полированная сталь.

Фото: Alberto Strada Studio.

План трехлетней реконструкции дома авторства американского архитектора разработала нью-йоркская Architectural Preservation Studio. В рамках проекта по восстановлению здания, построенного в середине 1930-х годов, команда устранила повреждения кровли, системы остекления и каменной кладки ограждающих конструкций. Среди других наиболее распространенных недостатков проекта эксперты также отмечают постоянные протечки, разрушение материалов и чувствительную к влаге оригинальную внутреннюю отделку. Весь процесс реконструкции обошелся организации Western Pennsylvania Conservancy в 7 миллионов долларов. Ожидается, что финальные работы на объекте будут завершены в следующем месяце, к 90-летию проекта.

Фото: Western Pennsylvania Conservancy.

Шанхайская архитектурная студия реализовала проект кинотеатра и общественной гостиной в китайской деревне неподалеку от горы Хуаншань. Команда стремилась сохранить историческую структуру зала предков andmdash; традиционного сооружения, также именуемого родовым храмом. Чтобы интегрировать в здание новые функции, архитекторы организовали систему поворотных панелей. Функция затенения позволяет проводить кинопоказы в любое время суток, превращая внутренний двор в легко адаптируемый зрительный зал. Пространство также вмещает библиотеку, выставочное помещение и зону для неформальных встреч. Для наполнения интерьера студия использовала мебель из дерева, которое гармонично сочетается с оригинальными архитектурными элементами.

Фото: Qingshan Wu.

Инициатива приурочена к десятилетию со дня смерти ирако-британского архитектора, которая скончалась от сердечного приступа 31 марта 2016 года. Улица Захи Хадид находится недалеко от городского квартала CityLife и 44-этажного небоскреба Generali Tower по ее проекту. Как отметил советник по культуре Милана Томмазо Сакки во время открытия, присвоение улице имени Хадид отражает признание ценности ее творчества и влияния, которое она оказала на итальянский город. «Ее подход помог по-новому взглянуть на взаимоотношения между городским пространством и людьми, сосредоточив внимание на качестве окружающей среды и ее функциях в повседневной жизни», andmdash; добавляет Томмазо.

Фото: Aric Chen; Hufton + Crow.

Команда nefa architects разработала яркий интерьер для команды «Яндекс Образования»: заказчики попросили из обычной аудитории сделать «телепорт», который будет притягивать студентов, рассказывать о бренде и адаптироваться под любые задачи, от учебы до мероприятий и неформальных встреч. Оформление должно было стать живой точкой связи между вузом и компанией, знакомящей молодых специалистов с ценностями бренда.

• Локация: Москва
• Площадь: 100 м²
• Авторы: nefa architects
• Фото: Максим Лоскутов

Архитекторы полностью изменили структуру помещения, изначально представлявшего собой типовую аудиторию с рядами парт. В результате получилось открытое гибкое пространство, которое вмещает несколько сценариев использования: зоны для индивидуальной и командной работы, отдыха и проведения мероприятий. Команда nefa architects интегрировала рабочие места в стены, добившись ощущения приватности и сэкономив полезную площадь. Эргономично расположить их на небольшом метраже помог отказ от жестких границ в пользу мобильных предметов. Привычную мебель учебных кабинетов заменили трансформируемые столы и ниши, а верхний свет — многослойные подсветки. Источником вдохновения для этого проекта оказался образ «цифрового коворкинга» — сервиса экосистемы, который вышел за рамки онлайн-платформы и обрел физическую форму. На технологические «корни» интерьера указывает главный арт-объект — взрыв-схема «Яндекс Станции», демонстрирующая устройство знакового гаджета. Реализовать новую организацию учебного класса позволили кастомные решения: компактные переговорки интегрированы в объемы из фанеры, плавно переходящие в системы хранения. Выразительные цветовые акценты в фирменном красном цвете подчеркнули связь пространства с брендингом «Яндекса».

Французский шеф-повар Янник Аллено создал для бренда скульптурное яйцо из смеси темного и белого шоколада. По словам Dior, коллаборация объединяет наследие высокой моды и изысканную гастрономию. Объект украшен фирменным медальоном Кристиана Диора с бантиком, а внутри спрятано множество конфет в форме пуговиц, с узором каннаж или инициалами CD. Шоколадное яйцо можно попробовать в ресторане Le Jardin, который находится во флагманском парижском бутике Dior на 30 Montaigne. В рамках сезонного релиза Dior Maison также представил новый арт-объект в коллекции Trompe-l’œil andmdash; декоративную фигурку курицы на элегантной керамической тарелке.

Фото: Dior.

По словам шведского бренда, торшеры MOSSPLYM и TRÅDNATE отличаются элегантными пропорциями и сочетают в себе такие материалы, как итальянский каррарский мрамор, массив дуба и сталь. Новинки также знаменуют переход IKEA от лаконичной скандинавской эстетики в дизайне освещения в сторону международного визуального языка. В каждой модели итальянский дизайнер Раффаэлла Манджаротти предусмотрела два источника света andmdash; рассеянный и четко направленный. Тонкая деревянная ножка торшера MOSSPLYM опирается на массивное мраморное основание, а мягкая форма стеклянного плафона напоминает цветок. При создании второй модели TRÅDNATE Манджаротти вдохновлялась геометрией природы andmdash; в результате в основу объекта легли две параллельные конструктивные опоры с латунными деталями.

Новые предметы можно будет впеврые увидеть на выставке IKEA в Spazio Maiocchi во время Миланской недели дизайна с 21 по 26 апреля.

Фото: IKEA.

Активное использование цвета способно преобразить любой интерьер: светлая палитра визуально размывает границы между стенами и потолком, а насыщенные тона наделяют пространства характером и выразительностью. Показываем проекты, авторы которых не испугались смелых колористических решений и сделали их своим главным инструментом.

Игра контрастных цветов в интерьере квартиры с видовым кабинетом GU Design, Мария Гульбекян, Анастасия Гурова

Фото: Антон Лихтарович

Мария Гульбекян и Анастасия Гурова из студии GU Design использовали яркие краски для разграничения функциональных зон. Оттенки переходят из одного пространства в другое — меняются только пропорции. Ощущения камерности в спальне дизайнеры добились за счет использования глубокого бордового цвета на потолке: этот прием привносит ощущение тепла и уюта.

Картины, яркие цветовые решения и винтажная люстра с Авито в интерьере квартиры Мария Синельникова

Фото: Евгений Гнесин

Изюминкой спальни в этом интерьере авторства Марии Синельниковой оказались контрастные потолочные плинтусы, выкрашенные в глубокий бордовый оттенок. Он дополнил синие цвета, в которые выкрашены стены и потолок комнаты.

Обилие цвета в интерьере квартиры с четырьмя спальнями Юлия Зайцева

Фото: Елизавета Гуровская

Элегантный характер этой квартиры задает обилие арочных форм: их здесь можно найти в геометрии окон и некоторых предметах мебели. Эту атмосферу дизайнеры решили продолжить через благородную палитру пыльно-розовых тонов. Они заметны на стенах и потолке, а также в текстильном обрамлении окон.

Смелый интерьер московской квартиры с советскими деталями Анна Березняк

Фото: Евгения Муравьёва

Вместо однотонной покраски потолков в этой небольшой квартире Анна Березняк сделала выбор в пользу розовых обоев с рисунком в виде летящих журавлей. Других розовых элементов в проекте нет: нежный оттенок обрамляют припыленно синие и зеленые поверхности.

Яркое латунное панно в интерьере большой квартиры с цветными потолками ToTaste.studio

Фото: Сергей Красюк

Дизайнеры ToTaste.studio решили не перенасыщать интерьер яркими красками, сделав все поверхности однотонными и простыми. Функция цветовых акцентов досталась потолкам, которые оттеняют сдержанную покраску стен и дают новое прочтение корпусной мебели и арт-объектам. В гостиной сочетаются сразу два оттенка — голубой и зеленый, плавно переходящие на предметы мебели.

Кремовые оттенки и эффектный керамогранит в интерьере семейного коттеджа Алена Николаева, Елена Афонина, Студия DNK Design

Фото: Максим Максимов

Несмотря на светлую палитру общественного пространства, наполнение спален детей получилось более насыщенным. Настроение комнаты мальчика задает покраска половины стен и потолка в синий цвет. Глубину оттенка подчеркивают ярко-желтая обивка кровати и контрастный круглый пуф. Привнести сюда ощущения обжитости помогли декор и искусство — вазы Светланы Горбуновой, графика Екатерины Поповой и картина Сергея Комягина.

Современная геометрия и природные текстуры в интерьере семейной квартиры студия AandES

Фото: Максим Максимов

Теплую обволакивающую атмосферу квартиры, созданной по проекту студии AandES, определила сплошная покраска стен и потолков в теплый бежевый оттенок. Такая палитра отвлекает внимание от сложной геометрии пространства с пилоном в середине помещения. Акцентных предметов дизайнеры почти не использовали, чтобы не нарушать визуальную целостность интерьера.

Глубокие морские тона и авторские предметы в интерьере московской квартиры Sweet Home Design

Фото: Сергей Ананьев

Мария Шумская и Анна Явишкина, сооснователи студии дизайна Sweet Home Design, сделали доминантой пространства переход от глубоких темных оттенков к акцентной зоне в цвете морской волны. В оформлении потолка гостиной глубокие синие оттенки встречаются с текстурой обнаженного бетона. Этот прием позволил не перегружать концепцию и сохранить общую концепцию.

От изумрудного до оливкового: все оттенки зеленого в интерьере московской квартиры студия дизайна BALCON

Фото: Александр Володин

Команда студии BALCON использовала частичную покраску потолка, чтобы обозначить границу между функциональными блоками кухни-гостиной. Оттенки отделки поддерживают активный керамогранит на стенах — этот материал дублируется за шкафами кухонного гарнитура и в светлой прихожей.

Контраст материалов и фактур в интерьере квартиры для деловой женщины Анна Блинова-Першукова, студия ANNADESIGN

Фото: Сергей Ананьев

Заказчице этого проекта хотелось видеть в оформлении баланс между нежными феминными и маскулинными фактурами. Гостиная, отделенная от кухни-столовой, решена в монохромной цветовой гамме: модульный диван с бархатистой обивкой поддерживают ковер с геометрическим рисунком и золотистый журнальный столик. Над ними разместилась работа Тима Парщикова, а на комоде напротив — скульптуры Катерины Викулиной из литого стекла.

Глубокие синие тона в интерьере красочной квартиры с предметами искусства Юлия Очкал, Наталья Ленинцева

Фото: Елизавета Гуровская

Яркий характер квартиры, оформленной по проекту Юлии Очкал и Натальи Ленинцевой, задают насыщенные холодные оттенки. Все они выделяют разные зоны: входная группа и кухонный остров отмечены светлой плиткой с графичным рисунком, а спальня полностью решена в глубоком синем цвете. Особенно эффектно на фоне темных стен смотрятся предметы искусства — офорты Марка Шагала и литография Сальвадора Дали.

Декадентский интерьер минской сталинки с высокими потолками Михаил Курносов

Фото: Михаил Курносов

Настроение мастер-спальни в проекте Михаила Курносова задает покраска стен и потолка суперматовой краской Benjamin Moore в насыщенном сливовом оттенке. Главным объектом здесь является большая кровать с гнутым изголовьем в комбинации с прикроватными лампами и круглым большим светильником.

На обложке: интерьер студии AandES. Фото: Максим Максимов

В рамках работы над перезагрузкой исторической Рязанской ВДНХ команда бюро «Апрель» подготовила мастер-план редевелопмента, реализовала благоустройство территории и реконструировала несколько зданий. Самым ответственным элементом масштабной задачи оказалось создание городской гостиной в павильоне «Животноводство». Ей отведена функция «третьего места», где жители и гости Рязани будут собираться на мероприятиях и открытых событиях.

• Локация: Рязань
• Площадь: 255 м²
• Авторы: архитектурное бюро Апрель
• Фото: Полина Полудкина

Заказчиками проекта выступили Правительство и Министерство культуры Рязанской области, определившие ограниченный бюджет и сроки реализации. Чтобы создание открытой общественной гостиной стало возможным, пришлось демонтировать все прежние перегородки и освободить чистые объемы помещений. Самое большое из них отведено под читальный зал. В нем возвели новую антресоль, чтобы увеличить количество посадочных мест и сформировать более камерную зону с кастомными стеллажами. Второе пространство поделено на две части: в одной разместилась кофейня, а в другую встроились технические блоки и еще одна антресоль. Заново возведенная пристройка со стеклянным фасадом и металлическими ламелями вместила зону для мастер-классов, лекций и кинопоказов, связанную с остальными пространствами через три проема. Дизайнеры выстраивали планировку на основе реконструкции исторически определенных осей по ходу движения и пребывания в нем посетителей. Характер интерьера определили оригинальные детали, которые частично удалось восстановить. Команда архитектурного бюро «Апрель» добавила в проект характерные атрибуты середины XX века: на полу в холле и кафе появились тераццо, шпон и современные светильники в виде шаров с элементами из латуни. Читальный зал украсили отреставрированные люстры, потолочный карниз и розетки. Оформление задумывалось одновременно уютным и гибким. Чтобы зал для мероприятий можно было адаптировать под разные форматы событий, дизайнеры разработали конструкции с передвижными полотнами штор. Рационально использовать ограниченный метраж помогла выполненная на заказ корпусная мебель.

В этом году проект ВИН-ВИН, который регулярно проводит ЦСИ Винзавод, трансформировался из маркета в ярмарку, а также обновил подход к представлению художников и работе с коллекционерами. Впервые познакомиться со свежим форматом можно будет 4 и 5 апреля: ближайшее событие под кураторством сооснователей галереи ШИФТ/SHIFT Владислава Духанина и Дарьи Кузнецовой соберет более ста художников, галерей, творческих объединений и независимых издательств. Мы изучили список участников XII весенней ярмарки новых имен ВИН-ВИН и выбрали несколько авторов, на которых стоит обратить особое внимание.

Надя Колдаева @nadia.pro

НАБОР ПОВЕРХНОСТЕЙ РАЗНОЙ СТЕПЕНИ ПРИВЛЕКАТЕЛЬНОСТИ. Фотографии предоставлены художницей

Фотография для Нади Колдаевой — это инструмент исследования визуальной повседневности и механизмов памяти, а также способ фиксации и артикуляции личного опыта. В своей практике художница использует как аналоговые, так и цифровые технологии, изучая границы фотографического изображения и его материальность. Ее работы затрагивают вопросы дистанции, уязвимости, способов памяти и визуального языка в условиях цифровой медиасреды. На ярмарке ВИН-ВИН художница представит не только фотографические проекты, но и объекты: последние Надя позиционирует как многослойную среду, в которой зритель сталкивается с тем, как поверхность регулирует доступ, видимость и право на присутствие.

Полина Крутова polinakrutova.ru

«Девочка с бантом». Фотография предоставлена художницей

«Папин велосипед». Фотография предоставлена художницей

В своей творческой практике Полина Крутова исследует феномен воспоминаний и памяти. Художница рассматривает материалы, с которыми работает, — дерево, бумагу, ткань и керамику — как накопители, которые фиксируют историю своих столкновений с реальностью через системы символов и образов. Таким образом, изделия Полины становятся своеобразными симулякрами архивов и источниками новых знаний о прошлом. Например, керамические объекты, в которых образ электрических розеток сочетается с фотографиями из семейных архивов, предстают как временной портал.

Екатерина Аулова @aul_love_museum

«Создать новый слой». Фотографии предоставлены художницей

Работы Екатерины Ауловой — московской художницы и архитектора бюро MSTRSK — это ее способ фиксации парадоксов, которые она замечает вокруг себя. По словам автора, она видит их в городе, чувствах и историях и стремится зафиксировать в материале. Основным материалом в практике Екатерины становится глина благодаря своему сложному характеру и теплоте. В объектах художницы часто встречаются образы столицы: например, в серии керамических табличек «Создать новый слой» она переосмыслила московские фасады.

Римма Савина @rimmasavinaart

«Надо не делать». Фотография предоставлена художницей

Текстильная художница Римма Савина обращается к темам материнства, женского выгорания и невидимого труда. Через вышивку и текстиль автор исследует повседневные обязанности как бесконечный цикл усилий. Ироничные работы Риммы превращают внутренние «надо» в видимый жест и показывают, как забота утрачивает добровольность и становится пространством давления, усталости и тихого сопротивления.

«Надо собрать день». Фотография предоставлена художницей

Саша Смит @smithsbetonism

Керамические плакетки «Фикция». Фото: Саша Смит

Саша Смит создает объекты и настенные панно из керамики. В своей практике автор исследует темы искаженной памяти, ностальгии, страха, научно-технического прогресса и воспоминаний о постсоветской реальности. Результатом становятся зооморфные, ретро-футуристические керамические объекты, которые сам Саша Смит называет способом реконструировать образы прошлого и проследить их влияние на настоящее.

Варя Щука varyaschuka.ru

«Кошка нарядная». Фото: Варя Щука

«Детская с крепостью». Фото: Варя Щука

Московская художница Варя Щука работает в разных направлениях, от 3D-печати до скульптуры. Ее объекты навевают простые и знакомые каждому символы и образы. Важное место в практике Вари занимают истории из жизни и чувства, которые вызывают повседневные ситуации: для их воплощения в физической форме автор использует в том числе гипс и природные материалы, тем самым наделяя их новыми смыслами.

Маргарита Чигодайкина www.ritamosaica.ru

«Дождь и распаханное поле». Фото: Маргарита Чигодайкина

«Небесная вода и мать сыра земля». Фото: Маргарита Чигодайкина

Основу практики Маргариты Чигодайкиной составляют академическая школа живописи, многолетний опыт натурных этюдов и работа в разных жанрах, от реализма до деконструкции пейзажа и абстракции. Сегодня художница обращается к классическим графическим техникам и мозаике, стремясь к упрощению форм и лаконичному визуальному языку. Маргарита называет свою практику исследованием свободных ассоциаций, сфокусированным на интуитивной связи между человеком и окружающим ландшафтом. Автор деконструирует традицию, создавая композиции на пересечении порядка и хаоса.

Кирилл Филатов (арт-студия PHAROS) @pharos_concrete

l’aplomb 47. Фото: Арт-студия PHAROS

l'auricule 72. Фото: Арт-студия PHAROS

Архитектор Кирилл Филатов основал арт-студию PHAROS в 2018 году вместе с искусствоведом Ильей Батыршиным. Дуэт создает бетонные скульптуры, которые балансируют между древними руинами и артефактами будущего. Объекты PHAROS представляют собой исследование материальности и бытовой реальности, а также мифов и коллективной памяти. Работы призывают зрителя задуматься о природе вещей и их происхождении. Предметы получаются нарочито монолитными: создается впечатление, словно они выдержали испытание вечностью, сохранив следы модульности и фактурной выразительности.

Фото на обложке: Денис Лапшин.

*Instagram — проект Meta Platforms Inc., деятельность которой запрещена в России.

Команда бюро SINITSA разработала концепцию торгового пространства бренда Belle You в ТРЦ «Павелецкая Плаза». Заказчики попросили отразить в проекте атмосферу доверия и спокойствия. Изначально они хотели получить масштабируемый, рациональный и технологичный интерьер, но со временем ожидания сместились в сторону более чувственного и «живого» оформления. Благодаря спокойной цветовой гамме посетители смогут замедлиться и услышать свои потребности.

• Локация: Москва
• Площадь: 155 м²
• Авторы: бюро SINITSA, Анастасия Колчина, Ксения Насонова, Варвара Сереброва, Серафима Демидова, Татьяна Бутринова
• Фото: Дмитрий Суворов

Пространство площадью более ста пятидесяти квадратных метров разделили на основной торговый зал, кассовую зону и примерочные. Эта модель должна была стать масштабируемым образцом, который можно будет адаптировать к другим объектам. Дизайнеры сделали выбор в пользу простых и доступных материалов, отражающих идентичность бренда. Задачу команды бюро SINITSA усложняла колонна, которую не стали скрывать и интегрировали в интерьер. Конструкцию обшили деревом и визуально объединили с объемом кассы в шпоне. Показать атмосферу современной женственности призвана текучая планировка без резких границ с акцентными округлыми формами. Чтобы ничто не отвлекало гостей от погружения в контекст, дизайнеры предложили встроить свет в архитектуру. От винтажных деталей в проекте отказались, заменив их кастомными решениями. Мебель, в том числе глянцевые тумбы из МДФ, и рейлы разработаны по авторским эскизам. Особой гордостью Насти Колчиной выступила продуманная эргономика примерочных с тактильными фактурами. Ощущение эксклюзивности оформления команда подчеркнула за счет сбалансированной системы освещения: переход от холодного света торгового центра к мягкой подсветке выделяет магазин среди соседних точек ритейла.

С 1 апреля по 5 мая в Художественном музее университета Цинхуа проходит выставка GLASSTRESS – The Modern Art Revolution in Venice. Арт-директором проекта, который объединил 60 работ международных авторов, выступил современный бельгийский художник Кун Ванмехелен, а кураторами andmdash; декан Академии искусств и дизайна Университета Цинхуа Ма Сай и основатель Berengo Studio Адриано Беренго. Выставка состоит из четырех тематических разделов, каждый из которых исследует роль стекла в развитии модернистского и современного искусства. В рамках нового проекта Кун Ванмехелен продолжил сотрудничество с венецианской платформой GLASSTRESS, которая связывает художников с мастерами-стеклодувами Мурано. «Это одна из первых крупных выставок в Китае, на которой стекло полностью вошло в сферу современного искусства. Хрупкость материала сейчас важна как никогда. Стекло с точностью показывает, насколько хрупким стал наш мир», andmdash; рассказал Ванмехелен. Наряду с Джуди Чикаго, Тони Крэггом, Корнелией Пармеджер, Жоаной Васконселуш и другими авторами он представляет на экспозиции скульптуру Evolution of a Hybrid. Кроме того, одновременно с выставкой в саду посольства Бельгии в Пекине появится двухметровая бронзовая версия его работы Cosmopolitan Fossil.

Фото: GLASSTRESS – The Modern Art Revolution in Venice, Tsinghua University, 2026; andcopy; Koen Vanmechelen, 2026.

2 апреля в музее «ЗИЛАРТ» открылась инсталляция художника-архитектора Александра Бродского «Приют невинных» andmdash; небольшая комната с записью шума атлантического прибоя. Идея проекта родилась у Бродского много лет назад: впервые он реализовал замысел в кафе «Пролив» на Никитском бульваре, где появилась комната под названием «Чайка-ласточка». Новая инсталляция находится на террасе пятого этажа «ЗИЛАРТа» и особенно заметна со стороны Тюфелевой рощи, если идти к музею от станции метро «ЗИЛ». Покосившаяся, покрытая рубероидом деревянная постройка-мансарда напоминает дачный сарай или корабль. По задумке художника, название отсылает к флорентийскому Воспитательному дому, построенному в середине XV века Филиппо Брунеллески. В предбаннике посетители могут услышать небольшой вступительный рассказ Александра Бродского. После этого зритель попадает в маленький «бар», где громыхает шум прибоя, записанный музыкантом Леонидом Фёдоровым. Автор предлагает гостям свободно исследовать пространство, а также отдохнуть от шумного ритма города, погрузиться в свои мысли и разделить звуковой и пространственный опыт с другими людьми.

Фотографии предоставлены пресс-службой музея «ЗИЛАРТ».

Соответствующее распоряжение опубликовано 3 апреля на сайте мэра Москвы Сергея Собянина и правительства города. Согласно документу, Сергея Кузнецова освободили от должности главного архитектора города Москвы и первого заместителя председателя Комитета по архитектуре и градостроительству города Москвы, а также уволили с государственной гражданской службы города Москвы по собственной инициативе. Кузнецов занимал должность главного архитектора Москвы с 21 августа 2012 года. Окончив МАРХИ в 2001 году, в начале своей карьеры он руководил архитектурными мастерскими «СЛК-Проект» и «С.П.Проект» andmdash; последняя позже вошла в состав объединения «SPEECH Чобан and Кузнецов».

Фото: пресс-служба Москомархитектуры.

В марте в Азии прошли три крупные мебельные выставки, разные по масштабу и атмосфере: HAWA Expo и VIFA во Вьетнаме, а также CIFF Guangzhou в Китае. Предметный дизайнер Надя Левина побывала на каждой из них, чтобы зафиксировать актуальный срез локальной индустрии. В своем репортаже для Design Mate она подсветила ключевые сходства и различия трех событий, а еще рассказала о впечатливших ее авторах и брендах.

Надя Левина дизайнер мебели

Вьетнам: тихо, но со вкусом

VIFA (Vietnam International Furniture and Home Accessories Fair) считается старейшей и ведущей мебельной выставкой во Вьетнаме, которая регулярно проходит на протяжении семнадцати лет. HAWA — наоборот, молодое событие, которое запустилось после пандемии и впервые состоялось в 2023 году. Обе выставки в этом году оказались заметно скромнее, чем два года назад. Масштаб упал, медиаподдержка была минимальна, дизайн-кластер получился небольшой и без особых откровений. VIFA и HAWA стали спокойными выставками, на которых можно было дышать, — в отличие от того, что ждало меня в Китае. Но именно на этом фоне несколько стендов выделялись особенно четко.

Sacred Earth — бетон как хамелеон

На HAWA один материал встречался снова и снова — бетон. Но не тот грубый, индустриальный, который мы привыкли ассоциировать с брутализмом. Здесь я увидела поверхности, имитирующие камень; финиши, напоминающие плитку; полированные текстуры, почти как лак; узоры, отсылающие к древесному шпону. Иногда нужно было прикоснуться к поверхности, чтобы понять, что перед тобой на самом деле.

Фото: Надя Левина

Бренд Sacred Earth выстроил вокруг этой идеи целую коллекцию скульптурных предметов, где материал почти исчезает за собственной поверхностью. Формы, которых сложно добиться в натуральном камне, здесь решаются через бетон, с сохранением визуальной роскоши, но без ее производственных ограничений.

Фото: Надя Левина

Кажется, что это не просто локальный тренд. Бетон постепенно становится одним из самых универсальных материалов в современном мебельном дизайне — и не из-за своей дешевизны, а из-за пластичности. Его можно отлить в любую форму, отделать под широкий спектр поверхностей, масштабировать в производство без полной потери ощущения ручной работы. То, что раньше сигнализировало об индустриальной эстетике, сегодня спокойно стоит в гостиной и выглядит как мрамор.

Фото: Надя Левина

Texstyle — ткань с историей

Хоть датская компания Texstyle — это не мебельный бренд, на вьетнамских выставках ее присутствие ощущалось повсюду. Ткань производителя использовалась на множестве стендов, что неслучайно: команда плотно работает с молодыми вьетнамскими фабриками и дизайнерами, участвует в коллаборациях и регулярно получает немецкую премию German Design Award.

Фото: Надя Левина

Их отличительная особенность — ткани из переработанного пластика с очень интересной фактурой. Я тоже делала с брендом совместный проект: коралловые крючки, напечатанные на 3D-принтере и обитые тканью букле. Texstyle — один из тех партнеров, которые понимают, что современный дизайн строится на коллаборации, а не на изоляции.

Ziatti — корейский дебют

Неожиданным открытием на HAWA стал корейский бренд Ziatti. Для них это был первый международный выход, хотя основан бренд еще в 2009 году и давно работает на корейском рынке: например, их мебель появлялась в популярных дорамах.

Фото: Надя Левина

На стенде мне запомнились обеденные столы, интересные решения с ножками и волнообразной формой. Бренд специализируется на полном цикле производства в Корее, использует массив дерева, итальянский керамогранит, экологичные отделки — и при этом отличается конкурентной ценой. К тому же это настоящий bespoke-подход, вплоть до радиуса скругления угла.

Фото: Надя Левина

Вьетнам VS Китай: два разных разговора о качестве

Прежде чем перейти к Китаю, хочу зафиксировать контраст, который я ощутила очень четко. Вьетнам для меня — это прежде всего про качество натуральных материалов. Здесь умело работают с деревом, камнем, ротангом. Мебель мидл-ап-сегмента производится здесь очень достойно, с ощущением ремесла и вниманием к поверхности.

Фото: Надя Левина

Китай — совершенно другая история. Это огромный, разнородный рынок. Здесь много дешевых материалов, ЛДСП и копий. На многих стендах не говорят по-английски, что существенно усложняет коммуникацию. И при этом здесь работают фабрики, которые производят мебель для лучших европейских брендов. Качество и технологии уже давно на том же уровне, однако вопрос в другом — появляется ли среди производителей собственный голос.

Китай сейчас находится в точке перехода, и те бренды, которые я выделила, сигнализируют об этих изменениях.

Фото: Надя Левина

CIFF Guangzhou: мини-город, в котором я прошла 30%

CIFF — это не выставка, а настоящий мини-город: 850 000 квадратных метров, 90 павильонов, более 5000 брендов. За четыре дня я, вероятно, обошла процентов тридцать-сорок. Самым живым и насыщенным павильоном стал дизайнерский кластер с современными брендами и международными участниками. Остальные же павильоны оказались ближе к тому, что я видела во Вьетнаме: небольшие фабрики, бюджетные материалы, продукция для массового рынка.

Фото: Надя Левина

互戶 (Hoochrea) — коллекция「樾」YUE: память под деревом

На выставке я познакомилась с молодой гуанчжоуской студией 互戶 (Hoochrea). Это команда из четырех человек, трое основателей которой окончили Central Saint Martins, Camberwell College of Arts и Architectural Association в Лондоне.

Их стенд зацепил меня сразу. Было ощущение, что за мебелью стоит история, а не просто форма. Так и оказалось: на стенде были Brian Yang и Yoyo Liu, которые рассказали мне про идею коллекции「樾」(YUE). Про то, как резкий солнечный свет фильтруется сквозь листву и превращается в теплые пятна тени: это одновременно и образ детства, и память о предках, которые отплывали из-под деревенского дерева в море, а потом возвращались домой.

Фото: Надя Левина

Название несет двойной смысл: 樾 — тень дерева, 粤 — древнее название Кантона. Студия стоит у Хуанпу, старого портового района Гуанчжоу, и в каждом предмете считывается и детское воспоминание под деревом, и силуэт паруса над рекой. Меня особенно зацепил стеллаж — напоминающая парус конструкция из красного дуба, которую буквально удерживает кусок необработанного гранита. Резьба на поверхности — и машинная, и ручная — дает именно тот рисунок скользящей тени, про который они говорили.

Фото: Hoochrea

Журнальный стол выполнен похожим образом: широкая столешница в форме паруса, гранитное основание как якорь. Для дебютной коллекции — неожиданно зрелый разговор между материалом и смыслом.

Фото: Надя Левина

Тем более показательно, что за плечами у студии уже есть серьезный опыт: их проект「立」был отмечен премией Golden Tide на Неделе дизайна в Шэньчжэне. Это резидентская работа, созданная на заводе в Чунъу — модульная система хранения из камня, вдохновленная характерной косой кладкой обожженного кирпича из их родного города. Детское воспоминание о фактуре стен, мимо которых ходили каждый день, переведенное в геометрию полок и игру позитивных и негативных пространств.

Фото: Hoochrea

pulpo — свет, который парит

Сразу у входа в главный дизайнерский павильон расположился стенд немецкой студии pulpo. Здесь я задержалась дольше, чем планировала.

Фото: Надя Левина

Первое, что зацепило — светильник Cactus, созданный французским дизайнером Mickaël Koska. Форма считывается моментально: симметрия суккулента, слои и баланс. Но живет он иначе, чем выглядит на фото: свет, отражаясь снизу, создает ощущение невесомости, будто лампа слегка парит над полом.

Рядом расположился керамический табурет Chouchou по дизайну Lorenzo Zanovello. Мягкие кривые встречаются с четкими гранями, и получается скульптурный объем. Предмет работает одновременно как сиденье, приставной столик и просто красивая вещь в углу комнаты.

Фото: Надя Левина

Dex Kong | Yan-Ya Xu (GuluLu Studio) — скульптурное высказывание

Среди участников дизайнерского кластера особое внимание привлек стенд Dex Kong и Yan-Ya Xu — дуэта с внушительным послужным списком: шесть Red Dot Awards и два iF Design Award. Коллекция открывалась темным деревянным комодом со структурой геологических слоев и строгим архитектурным креслом в серой ткани — никакой декоративности, только форма и материал.

Фото: Надя Левина

Но особое впечатление на меня произвела работа с металлом. Кованые ножки обеденного стола с грубой, почти минеральной фактурой поверхности и цельнометаллический стеллаж — скульптурная композиция ячеек из кованых пластин — демонстрировали исключительно точное и осознанное владение материалом.

Все четыре предмета складывались в единое высказывание — скульптурное по характеру и очень цельное по внутренней логике.

Фото: Надя Левина

CMF Trend Lab 2026 — лаборатория материалов

Отдельного внимания заслуживал CMF Trend Lab 2026 — ежегодная тематическая выставка, курируемая компанией YANG DESIGN. В этом году лаборатория работала с четырьмя актуальными направлениями: «Алгоритмическая природа», «Шумоподавление», «Максимальная полезность» и «Медленный звук».

Среди представленных работ мне запомнились три. Коричневое кресло и табурет Bentu Creation, напечатанные из переработанных строительных отходов: боя кирпича, бетона и плитки. Снаружи видна текстура под дерево, а на срезе открывается сложная геометрическая решетка. Каждый экземпляр уникален по цвету за счет минеральных пигментов из разных источников.

Фото: Надя Левина

Зеленое кресло Möbius Loop авторства YANG HOUSE — скрученная симметричная форма, параметрическое проектирование и 3D-печать из переработанных материалов в версии из войлока. Та же серия выходит в разных отделках — бетон, дерево, стёжка — и каждый раз выглядит совершенно по-другому.

Фото: Надя Левина

Наконец, серия Velvet Tropism дизайнера Zhang Wanjuan (LadyJaneie) совместно с DE-FORM — напольная лампа и кофейный столик из тысяч нитей PETG с LED-подсветкой. Вдохновленная фототропизмом ириса, каждая нить проложена роботом-манипулятором, и вблизи это выглядело как живой организм, тянущийся к свету.

Фото: Надя Левина

Что я увезла с собой

Три выставки дали мне очень разные ответы на один и тот же вопрос — куда движется дизайн. Вьетнам говорит на языке материала и ремесла; здесь умеют работать руками, слышать дерево и камень. Масштаб скромный, зато качество — честное.

Китай — это одновременно все и сразу. Здесь встречаешь огромный разброс, от дешевого ламината до работ, которые могли бы стоять на любой европейской выставке. Но именно в этом разбросе и читается главное: Китай находится в движении. Появляются студии с собственным голосом, историей и пониманием того, зачем они делают то, что делают. Если раньше китайский дизайн часто воспринимался как имитация западных образцов, то сейчас все больше студий говорит на своем языке. Языке, в котором есть и портовая история Гуанчжоу, и память о деревенском дереве, и кованый металл как прямое высказывание. Это интересно, и я точно вернусь.

Фото на обложке: Hoochrea.

Prism Vase продолжает предметное направление архитектурного бюро .dpt. В новом объекте команда переосмыслила октаэдр andmdash; многогранник с восемью гранями andmdash; через призму современного минимализма. В результате четкие линии и выведенные вручную острые грани формируют выразительный силуэт. У вазы нет фиксированного основания: ее можно расположить на любом из ребер. Несколько отверстий позволяют экспериментировать с цветочными композициями и сценариями использования предмета. Как отмечают архитекторы, особенность изделия кроется в контрасте между визуальной простотой и сложностью изготовления. Объект выполнен из нержавеющей стали с применением аргоновой сварки, а эффект «легкости» достигается за счет обработки поверхности очищенным речным песком.

Фото: Ира Соколова-Бишоп.

В коллекции американский дизайнер исследует концепцию модульности, переосмысляя мебель как эволюционирующую архитектурную систему. В серию также войдут светильники и предметы декора, выполненные из таких материалов, как дерево, металл и мрамор. По словам бренда, объекты отражают самобытный подход Келли Уэстлер, воплощенный через призму эстетики HandM HOME. Совместная коллекция будет впервые представлена на Миланской неделе дизайна с 21 по 26 апреля, знаменуя дебютное участие в мероприятии как для Келли Уэстлер, так и для HandM HOME. Команда готовит кураторскую экспозицию в Палаццо Ачерби, основанную на концепции ежедневных ритуалов и модульности. По задумке команды, инсталляция будет разворачиваться как захватывающее хореографическое путешествие через чувства. В рамках проекта гости смогут посетить дворец XVII века, обычно закрытый для широкой публики. После презентации коллекция поступит в продажу 3 сентября.

Фото: HandM HOME.

Cтадион вместимостью 50 000 человек задуман как площадка для концертов колумбийской певицы, которые пройдут в Мадриде в сентябре. Архитектурная студия BIG также предусмотрела дополнительные пространства для проведения мероприятий вокруг главной сцены. Как рассказала команда, проект представляет собой альтернативу традиционным стадионам, которые часто бездействуют в перерывах между мероприятиями. В отличие от них, площадка будет оставаться оживленной до, во время и после каждого музыкального шоу. Вокруг арены расположатся зеленые островки, вдохновленные пейзажами Испании и Латинской Америки и отсылающие к наследию певицы. Здесь также появятся изогнутые дорожки, частично закрытые навесами из яркой переработанной ткани.

Изображения: BIG.