В апреле в Амстердаме прошла ярмарка винтажа Design Icons, которая объединила 75 участников и интерьерные объекты 1930–1980-х годов. В течение двух дней в комплексе De Kromhouthal классика дизайна Чарльза и Рэй Имз и Людвига Мис ван дер Роэ соседствовала с работами анонимных авторов. На ярмарке побывала PR-эксперт Яна Зяблина, которая поделилась своими наблюдениями в репортаже для Design Mate.

Яна ЗяблинаPR-эксперт, основатель агентства BackDoor Agency, директор по маркетингу Design District DAA​

Я ехала на Design Icons не за ностальгией, а за насмотренностью. Как человек совсем неопытный, но искренне увлеченный винтажной мебелью, я хотела устроить себе большой смотр: увидеть не только знаковые объекты, знакомые по музеям, книгам и бесконечным мудбордам, но и весь пласт винтажного дизайна — от признанной классики до вещей без громкого имени, но проверенных временем.

Для этого Design Icons подходит идеально. 75 дилеров со всей Европы, огромный индустриальный цех De Kromhouthal (бывшая фабрика морских двигателей) и вещи 1930–1980-х годов, расставленные на площади, где легко потерять счет времени и собственным маршрутам. По ощущениям, там было больше сотни корнеров — от очевидных икон до анонимного дизайна и локальных голландских брендов, о которых в мире мало кто знает.

Меня интересовало не то, что будет модно, а то, что уже пережило моду. Один из анонсов ярмарки сформулировал это почти как манифест: no fast design. Многим предметам было больше пятидесяти лет: у них есть история, и именно качество дизайна и материалов позволяет им продолжать жизнь без всяких скидок на возраст.

Хороший предмет не стареет — он просто меняет контекст.

Если вы едете на Design Icons с намерением покупать, имеет смысл брать билет на первый слот. Он стоит дороже, но дает главное преимущество — вы попадаете на ярмарку в первой волне и видите все до того, как лучшие вещи начнут исчезать. Я выбрала этот слот скорее из исследовательского азарта. Мне хотелось, с одной стороны, увидеть весь ассортимент ярмарки, а с другой — понаблюдать за тем, как выбирают профессионалы: на что смотрят, у каких стендов задерживаются, как быстро принимают решение. Уже за полчаса до открытия у входа стояла очередь. Все были стильные, очень собранные и удивительно немногословные. Чувствовалось напряжение — почти спортивное. Мы, конечно, все собрались здесь ради эстетики, но по сути нам предстояла охота. А в таком огромном пространстве действительно стоит сосредоточиться, чтобы не упустить важное. Ровно в 12:00 двери открылись, и охота началась.

Eames Lounge Chair

Maralunga Sofa, Vico Magistretti, 1973, для Cassina

Сначала, конечно, взгляд цепляется за очевидные культовые объекты. Eames Lounge Chair Чарльза и Рэй Имз, Barcelona Chair Людвига Мис ван дер Роэ, Orange Slice Пьера Полена — предметы, которые давно живут не только в истории дизайна, но и в международном словаре хорошего вкуса. Они мгновенно считываются и притягивают людей — скорее всего, таких дилетантов, как я. Но довольно быстро мне стало интереснее смотреть по сторонам, не ища знакомый силуэт, а рассматривая неизвестное.

Кресло Orange Slice Пьера Полена

Эту перемену очень точно сформулировал архитектор из Брюсселя, с которым мы разговорились у кофейного фудтрака. Он сказал: «На Design Icons самое интересное начинается не там, где ты узнаешь вещь, а там, где вещь вдруг начинает узнавать тебя». Эта фраза, кажется, применима не только в контексте ярмарки, но и в коллекционировании винтажных предметов в целом.

Сильнее всего меня зацепили предметы без какой-либо нарочитой эффектности. Например, подвесной светильник Large Maxi Globe Pendant от RAAK Amsterdam 1965 года — спокойный, очень цельный, с мягким светом и формой, в которой нет ничего лишнего. Рядом был Uchiwa Hana chandelier Инго Маурера, и это совсем другое настроение: бумага, бамбук, легкость, почти воздух, но от него буквально веяло какой-то гармонией. Вообще, свет на Design Icons оказался отдельным удовольствием. Настенные лампы 1970-х, редкие голландские модели 1920-х, индустриальные регулируемые светильники — их было очень много, и все очень интересные.

MR Chair (MR10) 1970-80-х годов

Concorde или Spiral Wire Lounge Chairs (Италия, 1970-е)

Когда я увидела стенд транспортной компании, которая заботливо готова доставить вашу «добычу» практически в любую точку, я начала примерять предметы под свой интерьер, воспринимая их уже не как «легенды», а просто как добротные вещи. Стол Segmented Table Чарльза и Рэй Имз для Vitra, рядом как будто немного нервные стулья Гаэтано Пеше Green Street, и тут же строгий и сдержанный комод Sideboard Model 1730 Horst Brüning для Behr.

На Design Icons не существует одной правильной эстетики. Здесь вещи с разным темпераментом и разным прошлым спорят друг с другом прямо на глазах.

Отдельно мне хотелось присмотреться к голландскому дизайну. И именно он оставил одно из самых сильных впечатлений. Мебель авторства Jan van Grunsven и Cees Braakman для Pastoe, письменные столы, созданные на заказ стенки, книжные шкафы: такое ощущение, что в этих предметах нет ни грамма самодовольства. Эта мебель не пытается понравиться мгновенно, но она очень запоминается. Возможно, потому что в такой сдержанности всегда больше уверенности.

Camaleonda Sofa, Mario Bellini, 1970, для Bandamp;B Italia

Loop Chair

Еще мне особенно запомнились кресла La Fonda Чарльза и Рэй Имз, которые продавались от шести штук и более. Пока я выбирала, какие из них мне нравятся больше всех, милая пара у меня на глазах выкупила весь тираж в интерьер своего ресторана в Берлине. Зато я купила механический настольный календарь, сделанный в Восточной Германии еще до падения Берлинской стены и мерч MoMA 2018 года — деревянный пазл, приуроченный к выставке Йозефа Альберса, выдающегося художника-абстракциониста, дизайнера и одного из самых влиятельных теоретиков цвета и педагогов искусства XX века.

Кресла La Fonda Чарльза и Рэй Имз

Grundig Studio

Еще один лот из Германии оказался в моем вишлисте: винтажная аудиосистема Grundig Studio 2000 (4D) — футуристическая квадрофоническая система 1970-х годов с характерными сферическими колонками на стойках. Композиция выглядит как арт-инсталляция: центральный блок с проигрывателем винила окружен «орбитой» динамиков, создающих эффект объемного звучания. Лот производит сильное визуальное и эмоциональное впечатление и воспринимается скорее как арт-объект, чем музыкальная система.

Главный вывод, который я сделала: Design Icons очень быстро «лечит» от поверхностной насмотренности. Там быстро становится ясно, что культовый предмет — не всегда самый интересный, а вещь без громкого имени может оказаться самой близкой. Одни предметы востребованы сквозь годы за счет репутации, другие — за счет материала, третьи — за счет пропорции, цвета или просто магии существования вне времени. И, пожалуй, именно в этом заключается главная ценность таких ярмарок: они не просто показывают историю дизайна, а учат смотреть внимательнее.

Фото на обложке: Design Icons.Все фотографии предоставлены Яной Зяблиной.

За разработку проекта отвечали инженерная компания WSP и лондонское бюро Knight Architects. Мост Kruunuvuori длиной 1191 метр соединяет прибрежный район Круунувуоренранта с районом Нихти через остров Коркеасаари. Его извилистая конструкция из стали и бетона включает вантовую секцию с 135-метровым пилоном в центре. По задумке команды, ночная подсветка, минимизирующая световое загрязнение, делает мост новой городской достопримечательностью. В рамках проекта архитекторы учли потребности пешеходов, велосипедистов и пользователей общественного транспорта. В 2027 году здесь также планируют открыть трамвайное сообщение. Как отмечают авторы, извилистая форма обусловлена не только конструктивными особенностями, но и удобством: она улучшает навигацию, позволяя пользователям лучше видеть пункт назначения.

Фото: Tom Osborne; Markus Lintu.

Владельцы этого загородного коттеджа — молодые супруги, которые хотели отказаться от показной «дачности» в пользу современного и продуманного дома. Интерьер должен был стать местом перезагрузки и общения между разными поколениями одной семьи, которые много времени уделяют своим хобби. Отправной точкой при проектировании Екатерина Белякова сделала ощущение света и тактильного комфорта. Теплую палитру материалов подсказали тона клееного бруса, на которые слоями накладывались остальные оттенки и материалы.

• Локация: Тверская область
• Площадь: 350 м²
• Автор: Екатерина Белякова
• Фото: Наталья Летунова

Поскольку команда стремилась объединить урбанистическую эстетику и атмосферу загородной жизни, планировка выстраивалась по принципу открытого пространства. Экстерьер перетекает во внутреннее наполнение за счет панорамных окон и гостиной со вторым светом. Освещение использовали, чтобы подчеркнуть природные текстуры дерева, бетона и текстиля. Неожиданной частью световой композиции коттеджа стала лестница на стальном каркасе с прозрачным ограждением. Разнообразить спокойную цветовую гамму дизайнеру помогла мягкая группа, сформированная вокруг массивного камина, который выступает визуальным и эмоциональным центром притяжения. Терракотовые и травянисто-зеленые обивки мебели придают интерьеру теплое и уютное настроение. Остальные зоны первого этажа Екатерина Белякова оформляла так, чтобы они не перетягивали внимание гостей и хозяев на себя. Насыщенные голубые, зеленые и рыжеватые оттенки встречаются только в спальнях. Важной задачей дизайнера оставалось сохранение личной истории заказчиков. Чтобы дом казался обжитым, в него интегрировали небольшие артефакты — например, подарочную икону в кабинете. Отразить образ жизни семьи в интерьере призваны кастомные предметы вроде бетонной раковины в санузле, которая подчеркивает игру фактур и добавляет оформлению характера. Одним из самых сложных этапов проекта было сочетание клееного бруса с плоской эксплуатируемой крышей. Это решение требовало точной проработки архитектурных и инженерных узлов.

При создании коллекции Core для миланского бренда SEM Ханнес Пир хотел переосмыслить скульптурный язык художников середины прошлого века. В серию вошли восемь предметов, от шкафа и табуретов до обеденного стола и настенных панно. Все они выполнены из массива красного дерева, палисандра и вишни и отличаются абстрактными резными фасадами. Как отмечает итальянский дизайнер, простые монолитные формы контрастируют с замысловатыми барельефами. В производстве сочетаются цифровые технологии и традиционные методы: так, на финальном этапе каждый предмет обрабатывается столяром, после чего поверхность покрывается пчелиным воском, придающим ей теплый медовый оттенок.

Фото: Frank Stelitano.

В рамках Миланской недели дизайна французский модный дом объединился с итальянским производителем мебели для переиздания кресла Tomato. Разработанный в 1970 году французским дизайнером Кристианом Адамом, объект предлагал новый взгляд на отношения между телом и предметом. Его скульптурный силуэт транслировал не жесткость, а комфорт, чувственность и свободу формы. По словам Chloé, коллаборация с Poltronova под руководством креативного директора Чемены Камали отражает стремление расширять вселенную бренда за пределы моды. В переиздании команда сохранила оригинальный дизайн, адаптировав его к современным технологиям производства. Кресло выполнено из мягкой кожи естественного дубления и доступно в четырех цветах andmdash; кремовом, коньячном, песочном и черном.

Фото: Camille Vivier.

Владельцы этой квартиры — семья с пятилетней дочерью — уже обращались к Ксении Степаненко ранее и после покупки нового жилья вновь пришли к команде. Несмотря на ограниченный метраж, в проекте удалось учесть все пожелания клиентов: от кабинета и кухни-гостиной до отдельной постирочной. Любовь дизайнера к четко выверенным узлам резонирует с педантичностью заказчика, который оценил качество работы.

• Локация: Москва
• Площадь: 77 м²
• Автор: Ксения Степаненко
• Фото: Антон Лихтарович
• Стиль: Белла Новинькова

Изначально квартира была двухкомнатной, но количество окон позволило выделить три отдельных помещения. Особой гордостью дизайнеров в этом проекте была точная реализация всех узлов — качество исполнения лучше всего заметно на стыке выступа потолка и полотна скрытой двери. Еще одним проявлением перфекционизма команды оказалось идеальное совпадение швов голубоватого керамогранита на оконных откосах и подоконнике. Так, в мастер-спальне появилась подогреваемая кушетка для чтения. Тот же материал можно увидеть в кухне-гостиной, где искусственный камень под травертин продолжает фартук гарнитура. «Фишкой» этой конструкции стала узкая линия верхних шкафов, не перегружающая пространство визуально. Теплый рисунок дерева отсюда перетекает к мягкой группе. За двухместным диваном установлена целая декоративная композиция со встроенным хранением. Для каждой из спален Ксения Степаненко разработала свою цветовую гамму. Розовые, желтые и серые тона сочетаются в комнатах в разной пропорции, задавая каждой собственный характер. Украсить детскую призваны авторские акварельные работы дизайнера. Неожиданным элементом колористического решения выступил легкий оттенок зеленого в прихожей. Хозяйка дома долго сомневалась между ним и модным терракотовым и в результате не пожалела о своем выборе.

Световые решения уже стали неотъемлемой частью архитектуры. Благодаря искусственному свету проявляются характерные черты здания, формируются восприятие объекта и его взаимодействие с окружением, организуются иерархия и навигация в городском пространстве. Партнер и креативный директор бюро QPRO Александра Ушакова разбирает на примере знаковых российских проектов, как именно освещение создает узнаваемый вечерний облик городских объектов.

Городская архитектура разнообразна и многогранна. Через нее считывается история и современность, особенности городской жизни и уклад жителей, планы будущего развития и стремления. Для знаковых городских архитектурных объектов разрабатываются индивидуальные световые решения, которые помогают передать заложенные в архитектуру идеи авторов проекта в темное время суток. Давайте рассмотрим некоторые примеры.

МФК MATREX (МАТРЕКС / Матрешка) бюро Bernaskoni

Фото: Илья Иванов, archi.ru

MATREX (МАТРЕКС / Матрешка) — главное общественное здание, расположенное на территории Инновационного центра «Сколково», спроектированное архитектурным бюро BERNASKONI в консорциуме с ведущими мировыми специалистами. Архитектурный объект представляет собой своеобразный гибрид, в котором объединилось все современное как в архитектуре, так и в науке и искусстве. Даже само название появилось благодаря слиянию слов «матрешка» и «матрица». Здание объединяет современные функции: в нем разместились офисы, музейное пространство, ресторан-смотровая площадка, официальная резиденция, зал-трансформер.

Фото: Илья Иванов, archi.ru

Днем здание выглядит как стеклянная усеченная пирамида, а облик матрешки проявляется с наступлением сумерек. Узнаваемая форма традиционной русской игрушки становится видна внутри стеклянной пирамиды благодаря освещению внутреннего пространства атриума. Для освещения «тела» матрешки используются светильники со специальной оптикой, которая позволяет избежать слепящего света и создает эффект «выключенного света», когда световые приборы работают. Равномерно освещенные стены на каждом этаже внутреннего пространства атриума складываются в масштабную форму матрешки, которую видно с улицы через остекление фасада.

Медиацентр в парке «Зарядье» Архитектурное Бюро Тимура Башкаева

Фото: Евгений Лучин

Еще одно знаковое место Москвы, которое так любят туристы и с удовольствием посещают местные жители — парк «Зарядье». Современные общественные пространства должны отвечать расширенному набору требований: помимо функциональности, безопасности, эргономики и эстетики, они должны быть инклюзивными, технологически оснащенными, а еще создавать яркие впечатления. Одним из ключевых объектов на территории парка стал Медиацентр, разработанный по проекту Архитектурного Бюро Тимура Башкаева. Он выделяется футуристичной белоснежной архитектурой фасада.

Фото: Евгений Лучин

Внутреннее пространство демонстрирует технологический потенциал. Главная визуальная доминанта интерьера — впечатляющий потолок, ставший узнаваемым символом интерьера здания. Архитекторы создали инсталляцию из поликарбонатных трубочек разной длины, формирующих объем на потолке. Для формирования комфортной световой среды и визуальных эффектов используются светильники с асимметричной оптикой. Мягкий свет на стенах передает объем помещения и акцентирует внимание на арт‑объекте из «нитей», а скрытые источники света создают эффект струящегося света. Специально разработанные световые сценарии позволяют наблюдать игру оттенков цвета и света, имитирующих небо и закат: переливы цвета от зеленого к фиолетовому формируют эффект «северного сияния» на авторской потолочной инсталляции. Преломление света в материале дополнительно создает на полу необычные светотеневые рисунки, напоминающие звездные лучи.

Храм святого Равноапостольного Великого Князя Владимира в Тушине Архитектурное Бюро СПИЧ

Фото: Марика Волкова, предоставлены бюро светового дизайна QPRO

Тенденцией развития городской инфраструктуры становятся новые актуальные и значимые для горожан подходы. Они охватывают не только комфортные прогулки во дворах и парках, доступ к необходимой инфраструктуре, но и более тонкие грани, в том числе духовность. Например, на месте бывшего Тушинского аэродрома возвели городской кластер на 30 000 человек. Примечательно, что стройка началась не с жилых домов, а с православного храма, посвященного святому князю Владимиру — крестителю Руси. Подобный подход к планировке нового района — исключительный прецедент в церковном строительстве новейшего времени.

Фото: Марика Волкова, предоставлены бюро светового дизайна QPRO

Белокаменный храм равноапостольного великого князя Владимира, созданный по проекту архитектурного бюро СПИЧ, отличает фасад с фактурным растительным орнаментом, благодаря которому классическая архитектура приобрела новый современный облик. Для храма было разработано световое решение, которое помогло сформировать особое восприятие сакрального через вечерний образ архитектуры. Архитектурное освещение помогает передать его чистоту и легкость. Кажется, будто здание парит над землей, устремляясь ввысь белоснежным фасадом. Это ощущение создается за счет того, что стилобатную часть, в которой располагается воскресная школа, решили не выделять светом. Контраст между темным нижним ярусом и белыми верхними ярусами в сумерках формирует визуальный эффект приподнятости здания. Такой прием подчеркивает возвышенный характер храма, а освещение входной группы обеспечивает композиционную связь между землей и небом.

Новое здание Театра Камала WOWHAUS + KENGO KUMA and ASSOCIATES

Фото: Андрей Артис

Обновленный Театр Камала в Казани представляет собой одновременно многофункциональный культурный центр и общественное пространство. Перед архитекторами стояла амбициозная задача: воплотить новый национальный символ Казани и Татарстана. В основе концепции лежат три образных слоя — три уровня прочтения пространства: первый — внутреннее пространство, второй — оболочка театра, третий — стеклянный фасад с треугольными элементами. Разработанное световое решение, основанное на концепции «Свет, распространяющийся изнутри», помогло связать воедино все три пространственных слоя и передать замысел авторов проекта.

Фото: Андрей Артис

Архитектурная особенность фасада Театра Камала — треугольные панели, напоминающие лепестки «ледяного цветка». Вечером они эффектно подчеркиваются светом. Каждый лепесток конструкции уникален, поэтому световые решения для них разрабатывались индивидуально. Благодаря системам управления освещением здание театра превращается в динамичный объект с «эмоциями»: по заданным сценариям оно становится ярче во время мероприятий, создавая торжественную атмосферу, а после завершения событий переходит в ночной режим, экономя энергию.

Фото: Андрей Артис

Стены театра украшены узорами, вдохновленными традиционными татарскими женскими украшениями. Днем лепестки взаимодействуют с естественным светом, меняя облик в зависимости от времени суток, а ночью оживают благодаря искусственному освещению. Контражурная подсветка подчеркивает детали и добавляет объем. Дополняет образ подвесная система прожекторов, повторяющая изгиб лепестков и создающая эффектные блики на золотых узорах.

Световое решение для прилегающей территории театра Камала разработано как логическое продолжение общей световой концепции объекта. Центром композиции и наиболее ярким объектом остается здание театра, а ландшафтное освещение становится мягким обрамлением, подчеркивая архитектурные достоинства здания и создавая целостный образ вечером.

Триумфальная площадь Архитектурное Бюро BUROMOSCOW

Фото: Дмитрий Чебаненко

После реконструкции Триумфальной площади по проекту архитектурного бюро BUROMOSCOW с ландшафтным дизайном от компании ARTEZA она стала символом молодости, свободы и романтики. В ходе обновления была оптимизирована структура площади для удобства пешеходов, а озеленение и малые архитектурные формы помогли зонировать территорию. В результате пространство деликатно интегрировано в городской ландшафт, словно продолжая его естественные линии. Со стороны Садового кольца площадь приподнята на 1,5 м, создавая тихий остров вдали от потока машин. К уютному скверу площадь спускается широкими ступенями. Металлические качели и уличная мебель добавляют пространству современный акцент, не нарушая общей гармонии.

Фото: Дмитрий Чебаненко

Освещение Триумфальной площади осуществляется с помощью светильников на высоких опорах, установленных по периметру. С их помощью удалось добиться необходимого уровня освещенности, не перегружая территорию визуально. Для ландшафтных решений также предусмотрено освещение, которое создает мягкие акценты, придает динамику и объем. В качестве дополнительных декоративных приемов предусмотрена подсветка вертикальных плоскостей: она подчеркивает архитектурные линии колоннады сквера и придает любимым горожанами качелям выразительность в темное время суток.

На обложке: ТЕАТР ИМ. Г. КАМАЛА. Архитекторы: WOWHAUS + KENGO KUMA and ASSOCIATES. Фото: Дмитрий Чебаненко.

Сезон выставок мебели продолжается — на этот раз в Северной Каролине, где пройдет ежегодный HIGH POINT MARKET. Без образовательных событий тоже не обойдется: молодых дизайнеров и архитекторов привлекут вебинар о пространстве в школе МАРШ и лекция Артёма Дежурко о японском стиле. Культурный маршрут на майские праздники стоит выстраивать с учетом новых открытий — выставок в галерее «Куб», новой экспозиции Открытых студий Винзавода и галереи pop/off/art.

HIGH POINT MARKET

25-29 апреля. Цена: бесплатно

Крупнейшая выставка мебельной индустрии снова приглашает десятки тысяч человек собраться в Северной Каролине. Раз в полгода розничные покупатели мебели для дома, дизайнеры интерьеров, архитекторы и другие представители индустрии съезжаются на ярмарку, чтобы увидеть все самые значимые предметы дизайна. Основной фокус — классическая американская мебель, массивная, дорогая и с флером истории.

Вебинар «Диалог с пространством»

30 апреля, 18:30. Цена: бесплатно

Как рождается концепция выставки и в каком пространстве она раскрывается? Как выстраивается диалог между куратором, дизайнером и институцией? Как идея превращается в материальную и чувственную среду? Кураторы школы МАРШ вместе с руководитель бюро светодизайна THE ViEW Валерией Гореловой, куратором выставочных проектов в центре Зотов Анной Замрий и творческим директором бюро музейной сценографии «Метаформа» Викторией Тарасовой поговорят о том, как создаются современные выставки — от замысла до реализации.

Лекция Артема Дежурко «Японское влияние в архитектуре и дизайне XX века»

27 апреля, 17:00. Цена: бесплатно

Вместе с Артёмом Дежурко участники лекции поговорят об особых отношениях Европы и Японии — о том, как европейская культура не просто признала японскую традицию равной, но и заимствовала её образы и приемы. Диалог будет сосредоточен вокруг на XX века и того, как европейские и американские архитекторы-модернисты использовали японские планировочные и строительные решения, как японские гончары повлияли на студийную керамику всего мира, и как французские, итальянские и советские дизайнеры интерпретировали формы традиционных японских светильников и мебели.

Выставка Baroque Brut

24 апреля – 30 июня. Цена: бесплатно

Проект покажет, что барокко редко было искусством спокойствия, и докажет, что и сегодня эта художественная традиция жива — только принимает новые формы. Экспозиция развернется вокруг трех тем, которым художники барокко уделяли особое внимание: тело, пир, алтарь. Среди представленных авторов — Марина Кастальская, Кирилл Басалаев, Тим Парщиков, Антон Левин, Юлия Кравчук, Серафима Красникова, Леонид Костин, Никита Орлов, Ирина Разумовская, Майя Харитонова, Амбарцум Кабанян, Елена Ямлиханова, Tasha Artzolotoe.

Выставка художника Алексея Луца «Четыре состояние пребывания»

25 апреля — 25 июня. Цена: бесплатно

Гости смогут увидеть произведения, транслирующие четыре состояния: ограничения, пути, свободы и возрождения. Эта выставка позволяет и помогает созерцать неизменное, проглядывающее в потоке конкретного и преходящего. Автор использует в качестве медиума фотографию, работы вручную напечатаны им при помощи оптической печати и шелкографии. Художник помимо работ предлагает свое описание и интерпретацию состояний ограничений, пути, свободы и возрождения, с которыми можно познакомиться на площадке.

Выставка Николая Касаткина «От штриха до картины»

29 апреля – 31 июля. Цена: бесплатно

Галерея pop/off/art представляет персональную выставку «От штриха до картины» Николая Касаткина — признанного классика современного российского искусства, который переосмыслил художественное пространство картины и разработал собственное направление — «концептуальный пейзаж». Это пятая персональная выставка художника в галерее. Проект задуман в рамках галерейной программы, целью которой стало открытие новых граней искусства художников из раздела «наследия».

Выставка 13 сезона Открытых студий Винзавода «Вы достигли места назначения»

22 апреля – 11 мая. Цена: бесплатно

Центр современного искусства Винзавод представляет итоговую выставку 13 сезона Открытых студий Винзавода «Вы достигли места назначения», в которой 10 художников рассматривают различные формы пути и то, как в процессе путешествия меняется восприятие памяти, времени, пространства и самих себя. Художники 13 сезона Открытых студий Винзавода: Оксана Афанасьева, Тима Илларионов, Александр Крылов, Артур Кривошеин, Анна Лапшинова, Катя Никитина, САМУИЛ, Арина Шабанова, Ирина Зюськина, Гоша Хомич.

Выставка «Была не была»

25 апреля — 24 мая. Цена: 400 ₽

В лектории арт-пространства «КУБ» открывается персональная выставка Кати Грановой «Была не была». Живопись Кати Грановой — это, в первую очередь, перформативная попытка проникнуть в недоступное прошлое, форма противостояния необратимости времени. Художница собирает старые чёрно-белые любительские фотографии неизвестных людей: она находит их на барахолках, в семейных альбомах, государственных архивах и просто на улице. Часто на них можно видеть сцены отдыха у моря, рабочие встречи, семейные пикники, официальные мероприятия — чужую, обыденную и, скорее всего, уже забытую жизнь.

Коллективная выставка цифрового искусства «Несводимость»

25 апреля — 24 мая. Цена: 400 ₽

В основе выставочного проекта «Несводимость» — философия Павла Флоренского о символической природе реальности, с его идеями о том, что видимое выражает невидимое, форма связана с глубиной, внешнее — лишь знак внутреннего. Личность никогда не совпадает со своими внешними проявлениями, не может быть описана ими полностью. Подлинная ценность человечности — в несводимости к линейной рациональности, в способности удерживать противоречия, в праве быть неоднозначным во внутренней борьбе за свой выбор. «Несводимость» — это размышление о том, что остаётся за пределами вычислимого.

На обложке: работа художника Алексея Луца.

В серию Faces вошли 16 ковров, дизайн которых отсылает к фасадам четырех знаковых зданий по проекту японского архитектора: художественного музея Сантори в Токио, общественного центра Канаяма в Гумме, исследовательского центра GC Prostho Museum в Айти и музея Альберта Кана в Булонь-Бийанкуре. При создании изделий Кенго Кума стремился к тому, чтобы они передавали ощущения от архитектурных объектов, а не просто копировали их. «В нашей памяти остается не точная геометрия, а атмосфера, которую она создает; то, как свет касается поверхности; глубина слоев и тонкие текстуры, которые мы воспринимаем почти бессознательно. В этом смысле ковры andmdash; это не изображения зданий, а следы этих переживаний», andmdash; отметил архитектор. Вместе с командой индийского бренда Jaipur Rugs Кума переосмыслил эти воспоминания в тактильной форме andmdash; с помощью материалов, текстур и мягких цветовых переходов. В качестве названий моделей (Kasane, Kigumi, Chirashi, Bokashi, Sukima) выбраны термины, отсылающие к традиционным японским строительным техникам, к которым часто обращается бюро в своей работе. Изделия выполнены из шерсти с добавлением вискозы.

Фото: Jaipur Rugs.

Результат дебютной коллаборации итальянской фабрики и британского дизайн-дуэта andmdash; стул Savoia, представленный на выставке Salone del Mobile 2026. По задумке Эдварда Барбера и Джея Осгерби, предмет воплощает легкость, точность и формальную ясность. Как отметила команда бренда, благодаря такому подходу объект отражает суть промышленного дизайна Kartell. Тонкая конструкция, выполненная из литого под давлением алюминия, формирует непрерывную линию, расширяясь при переходе в подлокотники. Металлическая рама изготавливается в хромированной или полированной цветной отделке, а сиденье и спинка могут быть выполнены из цветного переработанного технополимера, дерева или кожи. Модель также доступна в версии без подлокотников.

Фото: Kartell.

Павильон Shell Book, название и форма которого отсылают к морской раковине, расположен на площади в финансовом районе Пекина andmdash; Xiangyun Town. Команда задумала его как небольшое, но динамичное общественное пространство для чтения, собраний и отдыха. При проектировании сооружения студия стремилась избежать фиксированной передней или задней части. В результате конструкция представляет собой непрерывный периметр, к которому можно подойти со всех сторон. Кроме того, подвижная структура может открываться или закрываться по мере необходимости. Внутри павильона расположены деревянные стеллажи с книгами и журналами, а также места для сидения: последние расставлены и вокруг объекта, что расширяет его сценарии использования.

Фото: andcopy; Yumeng Zhu.

Во время Миланской недели дизайна во внутреннем дворе Palazzo del Senato разместилась инсталляция Ooooh, that’s EpiQ!, разработанная испанским архитектором и цифровым художником Рикардо Ортсом из студии Ulises для автомобильного производителя Škoda. Автор сравнивает проект, основанный на тактильной логике лепки из пластилина, с игровой площадкой для взрослых. Инсталляция объединяет физические и цифровые элементы, сгруппированные в яркие формы, контрастирующие с барочной архитектурой палаццо. Пространство разделено на зону отдыха, неформальные места для встреч, зрительный зал, мобильное кафе и цифровой уголок, где посетители могут познакомиться с философией Škoda.

Фото: Škoda Auto.

Британский дизайнер и итальянский бренд продолжают сотрудничество проектом Material Anthology. Он разместился в миланском шоуруме Casa Tacchini и представляет собой исследование творческого процесса и тактильных свойств материалов. Экспозиция состоит из девяти пространств, оформленных с помощью элементов из архивов Tacchini. Используя обрезки и образцы из мастерских бренда, дизайнер создала скульптурные композиции, выстроенные вокруг цветовых вариаций мрамора, дерева и других природных материалов. «Я хотела призвать Tacchini с тем же любопытством исследовать собственную "шкатулку драгоценностей". Они работают с невероятными натуральными материалами, и Material Anthology демонстрирует их качество и безграничный потенциал», andmdash; отметила Тугуд.

Фото: Helenio Barbetta; Andrea Venturini.

Заказчики этого интерьера практикуют здоровый образ жизни, поэтому для студии 1820 тема правильного питания стояла во главе угла. Ключевой задачей было создание пространства без намека на аскетичность: ценности энергии и общения также отражаются в названии заведения — GlowBowl. Дизайнеры постарались разработать не просто оформление, а целостную среду, где «здоровое» стало бы синонимом «привлекательного».

• Локация: Йошкар-Ола
• Площадь: 60 м²
• Авторы: студия дизайна 1820
• Фото: Александр Пляскин

Исходная планировка с двумя обособленными входами задала логику зонирования объекта. Дизайнеры использовали эти вводные, чтобы четко разделить служебные и гостевые потоки. Теперь «черный» ход ведет в технический блок и на кухню, а парадная входная группа сразу погружает посетителей в общее с баром пространство. Несмотря на важность доставки в бизнес-модели компании заказчика, большую часть площади ресторана постарались отвести под зону посадок. Фактически, помещение разделено на две половины: компактный зал и небольшой бар с полуоткрытой кухней. Чтобы оформление транслировало энергию, творческий дуэт отразил ее в цветовой гамме свежих лаймовых тонов. Сочетание ярко-зеленых красок в мебели и песочных — в отделке призвано вовлекать гостей в атмосферу бренда. Особенно выразительными оказались ниши за баром и перегородки санузла, превращенные в цельную акцентную капсулу. Эту поверхность дополнило узкое зеркало во всю стену с текстом. Мотивы светодиодных светильников продолжаются в боксе, декорированном актуальным меню. У входа встроена в пол хромированная фраза-приветствие. Фирменные зеленоватые оттенки появляются в разных деталях интерьера: например, табуретки с зеленой крапинкой из переработанного пластика несут идею осознанного потребления. Скамья из мозаики, в центре которой посажен фикус «Лирата», представляет собой многофункциональный арт-объект.

Boltons исследует границу между оптической точностью и выразительной глубиной стекла. Прозрачная структура лампы, сформированная с помощью традиционной технологии с образованием воздушного пузыря, превращает свет в чувственный опыт. По задумке Herzog and de Meuron, точно сконструированная линза направляет луч вверх, к подвижному отражателю. Удерживаемый магнитной сферой диск свободно настраивается, формируя свет тонкими движениями andmdash; между отражением и рассеиванием. Проходя через стекло, свет умножается, искажается и переопределяет объект, создавая диалог между материалом, пространством и восприятием. «Лампа Boltons, состоящая из источника света, заключенного в корпус из стекла ручной выдувки, способствует изучению фундаментальных принципов освещения», andmdash; отметила команда студии.

Фото: Artemide.

Финская компания Iittala переосмыслила свою серию полосатой посуды Origo в рамках сотрудничества с брендом Pokémon, приуроченного к его 30-летию. Изделия украсили игривые иллюстрации, вдохновленные Пикачу andmdash; главным персонажем медиафраншизы. Коллекция Origo была создана Альфредо Хеберли в 1999 году, и сегодня команда обновила узнаваемый дизайн с помощью желтой, красной и коричневой цветовой палитры. «На первый взгляд Iittala и Pokémon могут показаться маловероятной парой andmdash; двумя мирами, которые не пересекаются. Но именно это напряжение и привлекло нас. Пикачу словно “путешествует” по всей коллекции, добавляя ей нотку удивления и очарования», andmdash; отметила креативный директор Iittala Янни Вепсяляйнен.

Фото: Fiskars Group.

Заказчики команды Starikova. Architects — дружная семья из четырех человек, которая хотела получить комфортный современный интерьер. Он должен был вмещать всех домочадцев так, чтобы у них оставалась возможность побыть наедине с собой или собраться для совместного досуга. Центром притяжения дома стала воздушная кухня-гостиная, разделившая хозяйский и детский блоки.

• Локация: Челябинск
• Площадь: 100 м²
• Авторы: Starikova Architects
• Фото: Лиза Гуровская
• Стиль: Анна Стрижак

Главной задачей дизайнера было максимально эргономичное размещение функциональных зон на ограниченном метраже. Организацию хранения и планировку продумывали тщательно, чтобы ни один сантиметр не «пропал». В процессе проектирования пришлось даже обратиться за консультацией к специалисту по порядку. Детский и родительский блоки команда Starikova. Architects разделила транзитным досуговым пространством. Чтобы подчеркнуть плавное перетекание приватных комнат в общественные, проемы обыграли декоративными арками в оттенке шампань. Оригинальной деталью гостиной стало нестандартное решение дивана: с ТВ-зоны фокус внимания сместили на общение и живой диалог. Такая расстановка мебели отражает философию проекта, ориентированную на поддержание теплых отношений между членами семьи. Чтобы сдержанная палитра светлых тонов оформления не надоедала детям клиентов, в их спальнях предусмотрели больше цветных элементов — в кроватях и корпусной мебели. Нежные розовые и голубые цвета предусмотрительно подбирали на вырост: они должны были оставаться актуальными и через несколько лет. Элегантные арочные формы объединяют все части интерьера в цельную композицию. Практичность оформления обеспечили кастомные предметы, которые изготовили по авторским эскизам.

В рамках Миланской недели дизайна проходит 11-е издание проекта Alcova. Команда продолжает открывать ранее недоступные городские локации: в этот раз выставка занимает церковь, дом приходского священника и исторический архив военного госпиталя Baggio в районе Приматиччо, а также Villa Pestarini по проекту яркого представителя итальянского рационализма Франко Альбини. Всего на двух площадках представлены проекты более 120 брендов, независимых дизайнеров, студий и дизайн-школ. Собрали несколько любопытных работ и инсталляций в материале.

Seat in touch Supaform

Фото: Piergiorgio Sorgetti

Дизайн-студия Supaform представила инсталляцию Seat in touch. В рамках проекта команда переосмысляет функциональную общественную инфраструктуру как модульную систему диванов. Студия размышляет о быстротечности и обязательной полезности общих зон, которые вместе с тем остаются местами, где люди неизбежно делятся краткими, часто мимолетными моментами с незнакомцами. По задумке авторов, композиция Seat in touch поощряет совместное присутствие.

ALBINI IN PRESENT TENSE Cassina х Haworth

Фото: Piergiorgio Sorgetti

Фабрика Cassina объединилась с компанией Haworth и пригласила Патрисию Уркиолу для создания инсталляции ALBINI IN PRESENT TENSE. Она разместилась в центре Villa Pestarini и выступает оммажем принципам архитектора Франко Альбини, воплощая идею напряженности между пространством, светом и объектами. В центре композиции — ковры Mokoro от Cassina, которые трансформируются в пространственные элементы, а их узор отсылает к модульному ритму большого окна из стеклоблоков, переосмысленного Альбини в послевоенный период. Фабрика также показывает переиздания мебели авторства архитектора совместно с фондом его имени — кресла, книжный стеллаж и приставной столик.

No One Sees Them Like We Do / Notes on Animal Interiors MAIA

Фото: Piergiorgio Sorgetti

Свой проект на выставке представила и магистерская программа MAIA (Master of Arts in Interior Architecture) школы HEAD-Женева. Он исследует современные взаимоотношения между людьми и домашними животными-компаньонами с помощью шести пространственных нарративов. По словам команды, к животным часто относятся как к существам, способным вытеснить центральную роль человека и поставить под сомнение устоявшиеся иерархии совместного проживания. В рамках проекта студенты фокусируются на повседневных проявлениях заботы, ситуациях сосуществования и зачастую невидимой домашней инфраструктуре.

Once Upon a Time, the Spring Kilzi.eu

Фото: Kilzi.eu

В рамках экспозиции Once Upon a Time, the Spring барселонская студия Kilzi.eu исследует движение как жизненную силу. Представленные объекты вдохновлены идеей о том, что даже при кажущемся спокойствии все находится в движении. Таким образом, предметы воспевают энергию, которая объединяет людей в разных культурах, временах года и с разным опытом. В инсталляцию вошли светильники из серии Feather, отсылающие к легкой и безмятежной атмосфере японской весны.

Inframezzo Академия дизайна Эйндховена

Jun Fujisaku - TRANSCENDERS. Фото: Design Academy Eindhoven

Studio CoPain (Léa Bardin, Lucile Barbier and Sidonie Lepetit). Фото: Design Academy Eindhoven

Академия дизайна Эйндховена привезла в Милан проект Inframezzo, который объединил работы студентов и выпускников школы. Название инсталляции отсылает к пространству возможностей. «Пауза, которая не приостанавливает действие, а перераспределяет его; условие, при котором можно отрепетировать и заявить о себе свободой воли и общением», — рассказывает команда об экспозиции. На стенде можно увидеть работы выпускников бакалаврских и магистерских программ. Среди них проект TRANSCENDERS Дзюна Фудзисаку, Post-Replica, Post-Image от Si Young Yang, объекты Studio CoPain и другие.

LA SALLE DE BAIN Элиза Уберти

Фото: Piergiorgio Sorgetti

Французская художница Элиза Уберти вернулась на Alcova с инсталляцией LA SALLE DE BAIN. Она объединила керамические изделия разного размера, напоминающие о жестах и предметах ритуала купания. Небольшие предметы, скульптуры и светящиеся тотемы с развевающимися шерстяными нитями создают игривую обстановку, в которой элементы домашнего обихода превращаются в чувственный пейзаж.

Коллекция Tilsim CHELEBI Room of Azerbaijan

Фото: CHELEBI Room of Azerbaijan

Азербайджанский бренд CHELEBI привез на Alcova коллекцию объектов Tilsim. Ее название отсылает к идее талисмана, а сами предметы исследуют понятие защиты, памяти и культурных отголосков. Изделия — от скульптурных ваз до консолей и декора — выполнены из таких материалов, как дерево, керамика, выдувное стекло, кожа, натуральные волокна, латунь, серебро, шерсть и металл.

tête-à-tête playinghouse

Фото: Liz Carababas

Арт- и дизайн-платформа playinghouse дебютирует на выставке с групповой инсталляцией tête-à-tête. Экспозиция, развернувшаяся в исторических интерьерах Villa Pestarini, объединила предметы мебели и освещения международных авторов, в том числе Anna Dawson, Zhongkai Li, Kate Greenberg и Liyang Zhang.

Фото на обложке: Alcova.

В рамках этого проекта дизайнеры переосмыслили формат дачного дома как пространства для паузы и восстановления. Интерьер для заказчиков с тонким вкусом и богатым визуальным опытом команда VOLVES interiors постаралась сделать органичным продолжением окружающего ландшафта. Клиенты полностью доверились профессионализму студии, просто обозначив свое главное пожелание — сдержанную и расслабленную атмосферу жизни за городом.

• Локация: Ленинградская область
• Площадь: 147 м²
• Авторы: VOLVES interiors
• Фото: Дмитрий Суворов
• Стиль: VOLVES interiors

Дом из клееного бруса уже был возведен, когда дизайнеры приступили к реализации концепции. Кардинально менять планировку не требовалось — команда только организовала дополнительную спальню в одном из свободных помещений. Так в проекте появилась «комната интроверта», в которой хозяева или гости смогут побыть наедине со своими мыслями. В перекрытии антресольного этажа изначально был организован проем для лестницы, но ее предложили вынести в двусветное пространство, чтобы освободить место для обеденного стола на шумную компанию. В результате лестница на гнутой тетиве превратилась в акцент гостиной. Реализовать эту задумку оказалось непросто: студия VOLVES interiors долго искала подрядчиков, которые привезут разборные элементы конструкции. Благодаря изменениям зонирования в центре гостиной удалось разместить диван неправильной формы, ориентированный сразу на три стороны — ТВ-зону, камин и озеро. Благодаря большому панорамному окну с видом на реку Вуоксу, оформление выглядит по-разному в зависимости от времени суток. Натуральные фактуры каждый раз преображаются и дополняют друг друга. Отдельная роль в интерьере досталась искусству художницы Александры Савиной, которое подчеркивает водную гладь и атмосферу безмятежности.

За счет сочетания объемных форм спинки и сиденья и графичной строчки диваны напоминают большое стеганое одеяло. Наполнение системы выполнено из пенополиуретана с содержанием переработанных полиолов и дополнено внутренней подкладкой из переработанной полиэфирной ваты. В основу Ardys лег принцип модульности: она доступна в виде двух- или трехместного дивана, кресла и пуфа, а также торцевых, угловых и центральных элементов. Модули скрепляются с помощью защелкивающегося соединения и позволяют экспериментировать с конфигурациями. Наряду с традиционной обивкой Cassina представила ткань London, напоминающую легкие технические спортивные материалы, с атласной отделкой, подчеркивающей объемы Ardys. Благодаря отказу от традиционных методов формования предметы легко разбираются на компоненты в конце срока службы.

Диван Ardys дополнен одноименными кофейными столиками, выполненными из глянцевого лакированного цемента. Изделия представлены в прямоугольном и квадратном исполнении и контрастируют с обтекаемыми формами мягкой мебели.

Фото: Francesco Dolfo; Luca Merli.

В рамках Миланской недели дизайна Лайла Гоар и шведский бренд создали инсталляцию, которая разместилась в ботаническом саду Giardino delle Arti. Проект приурочен к запуску первой коллекции одежды авторства дизайнера и переосмысляет карусель в необычном ключе. Вместо привычных фигур здесь использованы скульптуры в виде овощей и фруктов: как отметила команда Arket, инсталляция воплощает театральный визуальный язык Гоар и объединяет интерес к еде, игривости и повседневной красоте. Забавные сиденья дополнены замысловатыми цветочными иллюстрациями и праздничными ярмарочными огнями. По словам дизайнера, она стремилась добиться ощущения открытости и гостеприимства andmdash; чтобы зрители не просто наблюдали за каруселью, а получали иммерсивный физический опыт.

Фото: Arket.

С помощью Maap французский дизайнер Эрван Буруллек реализовал давнюю идею andmdash; создать широкую, захватывающую световую поверхность. В основу объекта легло ощущение непредсказуемости: рассеиватель мнется вручную, образуя микроструктуру, которая стабилизирует и оживляет конструкцию. Поверхность крепится к металлическому каркасу с помощью магнитных кнопок, расположенных на четырех источниках света: именно они позволяют менять форму структуры. Съемный диффузор отличается плавными органическими формами, а легкость конструкции отражает осознанный подход дизайнера к материалам. При максимальной длине Maap может занимать более трех метров в пространстве, превращая стену в светящееся поле. «Maap andmdash; это реализация давнего стремления создавать мощные источники света, которые мягко и равномерно рассеиваются по широкой поверхности», andmdash; отмечает дизайнер.

Фото: andcopy; Santi Caleca.

Выразительный рисунок, долговечность и разнообразие оттенков превращают камень в универсальный отделочный материал. Он может стать эффектным акцентом или придать пространству вневременный характер и глубину. Собрали несколько небанальных интерьеров, авторы которых нашли свой способ применения природного камня.

Умиротворяющий интерьер семейного коттеджа в Подмосковье студия Zeworkroom

Фото: Сергей Мельников

Центром притяжения этого загородного дома по проекту студии Zeworkroom стала кухня-гостиная, в оформлении которой преобладает натуральный камень. Он появляется на фасадах кухонного острова и камина, перетекая на столешницу и фартук лаконичного гарнитура. Ощущение теплоты сюда привносят текстильные детали — мягкие панели и ковры, которые смягчают брутальность травертина.

Три типа фрезеровки мрамора в интерьере квартиры с динамичной перегородкой Карина Гимранова, архитектурное бюро Duplex

Фото: Сергей Красюк

Сдержанную палитру квартиры своих заказчиков Карина Гимранова усложнила необычными приемами. Например, карамельные оттенки кухонного гарнитура дизайнер разбавила вкраплениями натурального камня в тон окружающих шкафов. Композицию завершили аккуратные золотистые светильники и латунные профили.

Мрамор, кварцит и красное дерево в интерьере семейного дома в Ирландии Kiosk Architects, Kingston Lafferty Design

Фото: Рут Мария Мерфи

Главным выразительным инструментом команды Kiosk Architects оказался натуральный камень. Здесь появляются самые разные сорта и оттенки, но зеленый мрамор Verde Apli становится настоящей доминантой проекта.

Контраст прямых линий и плавных форм в интерьере квартиры для женщины с двумя детьми Юлия Айтенкова

Фото: Krasyuk production

Натуральный камень в проектах Юлии Айтенковой используется нередко — в этом интерьере квартиры в Москве его можно заметить на фартуке кухни и в санузле. Причем сорта камня дизайнер подобрала разные — фасады гарнитура подчеркивает контрастный черно-серый мрамор, а в обрамлении душевой задействован коричневый керамогранит.

Мрамор, «умное» стекло и нарядные светильники в интерьере большой квартиры Мила Узикова

Фото: Сергей Красюк

Оживить спокойную мебель в этом проекте Миле Узиковой удалось за счет фартука из мрамора с акцентными прожилками и золотистых смесителей. Самым ярким местом в доме стал гостевой санузел с цветным мрамором и голубыми подвесами по дизайну архитектора Захи Хадид.

Эклектичный интерьер квартиры с вкраплениями национальных мотивов и авторской плиткой Даша Василькова, Оксана Заварзина, Евгений Шевченко, дизайн-студия Lake and Walls, Art Group

Фото: Михаил Лоскутов

В ярком проекте Даши Васильковой использовались столярные изделия, выполненные по авторским эскизам. Кухонный гарнитур она дополнила глянцевым фартуком из мрамора, сдержанный оттенок которого подчеркивает голубая плитка Reda.

Дух истории и культовые предметы дизайна в интерьере старинного таунхауса Olbos Studio

Фото: Филиппо Томмазоли

Американская студия Olbos Studio превратила природный камень в заметный акцент этого интерьера загородного дома. Темно-синий мрамор оживил сдержанную палитру прихожей, а камень светло-зеленого оттенка позволил выделить композицию кухонного гарнитура.

Мрамор, шпон дуба и сталь в интерьере просторной квартиры Артем Кучеров

Фото: Вера Деблик

Неожиданным акцентом этого интерьера квартиры для геолога выступил темный камень, оттеняющий бордовый обеденный стол в общественном пространстве. Смягчить строгость современного стиля призваны шлифованная сталь и шпон дуба, формирующие элегантную композицию.

Расслабленный интерьер квартиры с эффектной мраморной стеной Alexander Tischler, Карен Карапетян, Маргарита Самойлова

Фото: Ольга Карапетян

Оригинальным решением в московской квартире, оформленной по дизайну студии Alexander Tischler, стала отделка одной из перегородок керамогранитом с текстурой мрамора и прожилками винного цвета. Этот материал выходил за рамки исходного бюджета, но сразу полюбился заказчице.

Акцентный мрамор в интерьере квартиры с историческими деталями AO/JN Interiors

Фото: Кристофер Джонсон

Выразительный кухонный гарнитур должен был контрастировать с историческими деталями интерьера, поэтому его центром выступил массивный отдельно стоящий остров. Для его отделки выбрали эффектный мрамор Arabescato Corchia с более темным рисунком, чем у классического белого камня. Чтобы добавить изящества тяжеловесному объему, дизайнеры спроектировали скульптурное основание, сужающееся по мере приближения к полу.

Акценты из природного камня в брутальном интерьере для холостяка QUADRUM Studio

Фото: Роман Спиридонов

Центром визуального повествования этой квартиры стал природный камень, отражающий мужественный характер и стиль заказчика. Этот материал появляется в оформлении спальни в сочетании с крупными живыми растениями и черной кожей на изголовье кровати.

Драматичный интерьер московской квартиры с тремя спальнями Анна Зиньковская

Фото: Антон Лихтарович

Вневременный характер интерьера большой квартиры по проекту Анны Зиньковской проявился в миксе традиционных и современных материалов. Уже в прихожей встречаются дерево, мрамор и элегантная латунь.

На обложке: интерьер студии Zeworkroom. Фото: Сергей Мельников.

Прошедший год стал важным периодом для итальянского бренда BarovierandToso. Компания, которая носит звание одного из старейших семейных производств в мире, назначила креативным директором дизайнера Луку Никетто и поручила Studio Blanco переосмыслить свою визуальную айдентику. Увидеть первые результаты перерождения фабрики можно на Миланской неделе дизайна в рамках инсталляции 2026 Chapter 1.

История BarovierandToso насчитывает семь веков. Компания основана в 1295 году на острове Мурано в Венеции, а основу ее узнаваемой ДНК положило изобретение итальянским художником Анджело Баровье формулы уникального по своей прозрачности и блеску стекла. В 1455 году он получил право на производство венецианского хрусталя (Cristallo Veneziano), главной отличительной характеристикой которого стало полное отсутствие в составе свинца и мышьяка. Мастера бренда до сих пор используют эту формулу для создания светильников и интерьерных объектов.

Философия BarovierandToso опирается на многовековое наследие. Все изделия изготавливаются с применением традиционных технологий выдувания и обработки стекла и старинных инструментов. Именно богатое прошлое фабрики стало отправной точкой ее масштабного обновления.

Свежий взгляд на наследие BarovierandToso

«Эта новая глава связана с желанием укрепить историческую идентичность бренда, сделав его более открытым, современным и международным. Наше наследие — это не просто память, а живой ресурс, из которого мы черпаем вдохновение для инноваций», — говорит о ребрендинге генеральный директор BarovierandToso Андреа Синьорони.

Фото: Ludovic Balay

Разработку новой визуальной айдентики бренда доверили итальянской Studio Blanco. Команда создала логотип, который отсылает к исторической вывеске на Fondamenta Vetrai 28 в Мурано — улице, где по традиции находились стекольные мастерские. Это знак, глубоко укорененный в месте и памяти. Дизайнеры сохранили его оригинальный характер, усовершенствовав пропорции и ритм. Сама визуальная айдентика сочетает в себе отсылки к наследию и современные мотивы, вдохновленные Венецианской лагуной.

Фото: Piergiorgio Sorgetti

2026 Chapter 1: новый этап развития

Первым физическим воплощением обновленного стиля компании стал проект 2026 Chapter 1, который команда презентует в рамках Миланской недели дизайна. Он разработан под руководством Андреа Синьорони в тесном сотрудничестве с дизайнером Лукой Никетто, который в мае 2025 года стал креативным директором BarovierandToso. Инсталляция, включающая новые коллекции бренда, развернулась в шоуруме на Via Durini и задумана студией NICHETTO® как сундук с сокровищами. В качестве декораций использована сдержанная палитра материалов — белый текстиль и дерево, — на фоне которых стекло становится главным героем пространства.

Лука Никетто дизайнер, арт-директор BarovierandToso

Я представлял себе этот проект как безмолвный диалог между светом и материалом. Быть уроженцем Мурано — значит обладать инстинктивным знанием стекла, а также осознавать его историческую значимость. Моя цель — не ностальгически воспевать прошлое, а задаться вопросом, как оно может развиваться. Как будет выглядеть люстра через пятьдесят лет? Ответ заключается в том, чтобы прислушаться к традициям и преобразовать их в язык, способный говорить с глобальным настоящим.

Экспозиция 2026 Chapter 1 в шоуруме BarovierandToso. Фото: Piergiorgio Sorgetti

В рамках проекта 2026 Chapter 1 традиции и инновации не противоречат друг другу, а воспринимаются как части единого эволюционного процесса. Согласно концепции, свет становится инструментом интерпретации, а стекло предстает как активный материал, способный создавать формы, отражения и новые пространственные соотношения.

Экспозиция 2026 Chapter 1 в шоуруме BarovierandToso. Фото: Piergiorgio Sorgetti

В центре экспозиции — новые предметы и коллекции фабрики, отражающие момент ее перерождения. Сначала посетителей встречает кубический объем Etime по дизайну NICHETTO®. Он задуман как модульный элемент, в равной степени скульптурный и функциональный, превращающий геометрию в выразительный жест. Творения Луки Никетто также включают подвесной светильник Profilo и настольную лампу Aurora. Среди других объектов экспозиции — настольные лампы и торшеры Agave авторства Гарсии Кумини, коллекция Olori Studio Lani, вазы Lithos, разработанные Эммануэлем Бабле, и Kado по дизайну Кэйдзи Ашизавы, а также модульная система ваз Podio от Claesson Koivisto Rune.

Экспозиция 2026 Chapter 1 в шоуруме BarovierandToso. Фото: Piergiorgio Sorgetti

Завершающим аккордом инсталляции стала работа Coppa Barovier из темно-синего стекла, созданная около 1460 года и отделанная полихромными эмалями и золотом. Авторство объекта традиционно приписывают Анджело Баровье, а для его изготовления по сей день используются оригинальные технологии, насчитывающие более пяти столетий.

Экспозиция 2026 Chapter 1 открыта в шоуруме BarovierandToso по адресу Via Durini 5 до 26 апреля.Фото на обложке: Piergiorgio Sorgetti.Портрет Луки Никетто: Nicolò Bassetto.

Швейцарский мебельный бренд объединился с архитектурной студией Snøhetta и художницей Аннабель Шнайдер для создания инсталляции Renaissance of the Real. Она разместилась в саду музея Fondazione Luigi Rovati и, по задумке авторов, предлагает посетителям погрузиться в мультисенсорный опыт. В качестве каркаса объекта архитекторы использовали систему хранения Haller andmdash; флагманский продукт USM, andmdash; вокруг которой натянута мягкая текстильная мембрана. Благодаря вентиляторам она расширяется и сжимается, имитируя дыхание и создавая ощущение спокойствия. Проект стал результатом продолжающегося исследования художницы в области преобразующих пространств, формирующих атмосферу комфорта, сопричастности и благополучия. «Инсталляция представляет собой место, где структурная ясность USM Haller создает дышащую среду, которая приглашает нас воссоединиться с нашими телами и друг с другом», andmdash; отмечает Шнайдер.

Фото: USM.

Британская студия работала над проектом совместно с бюро ландшафтной архитектуры Michel Desvigne Paysagiste. Мемориал задуман как место для размышлений и прославления наследия королевы Елизаветы II, скончавшейся в 2022 году. «Мемориал ориентирован на людей всех возрастов и интересов и отражает общие ценности, которые продвигала ее величество. Благодаря безмятежной и созерцательной атмосфере у посетителей появится возможность заново открыть для себя ее наследие, а для некоторых andmdash; и нечто большее», andmdash; рассказал основатель Foster + Partners Норман Фостер. Комплекс будет включать мост с балюстрадами из литого стекла, перекинутый через озеро в Сент-Джеймсском парке. Его дизайн основан на тиаре королевы Марии с бахромой, которую королева Елизавета II надевала в день своей свадьбы. Вокруг моста разместится серия скульптур.

Изображения: Foster + Partners.

Команда архитектурного бюро nomessprocess разработала интерьер для производителя современного фастфуда «Читерс». Заказчики пришли к команде бюро с запросом на «честный» интерьер, который продолжит концепцию бренда. В его основу легли картон и пластик — материалы, которые прочно ассоциируются с индустрией быстрого питания.

• Локация: Москва
• Площадь: 110 м²
• Авторы: архитектурное бюро nomessprocess
• Фото: Даниил Анненков

Лаконичная архитектура пространства выступает прямым продолжением этой задумки. Небольшую площадь дизайнеры распределили между кухней и компактным залом для гостей. Оформление последнего выстроено на основе сочетания покраски верхней половины стен и отделки нижней части панелями из МДФ. Посадка здесь тоже получилась необычной: мягкие группы сформированы рублеными мебельными блоками. Вдоль окон проходит высокая барная стойка, ориентированная на зеркальный портал. С другой стороны помещения установлена такая же доминанта — отражающая поверхность подчеркивает схожесть зала с вагоном-рестораном в поезде. Команда архитектурного бюро nomessprocess предложила дополнить каждый столик собственным порталом. Центральную композицию сформировали крупные диванные блоки и стол. Акцентные стулья и табурет для проекта нашли в коллекции «не будет места», созданной художником Сашей Посохом в рамках коллаборации с галереей Sample. Такой оттенок предметы обрели не просто так: сложный зеленый отсылает к двухцветной палитре бренда. На стыке кухни и зала возвышается светопрозрачная конструкция. Ее овальный каркас реализован из металла, а стенки — из двух слоев сотового поликарбоната в обрамлении нержавеющей стали. Внутрь овала интегрированы зоны выдачи заказов, приготовления коктейлей, склад и санузел. Скругленная геометрия повторяется в деталях: зеркала в зоне рукомойника заключены в овальные рамы, выполненные в фирменном паттерне бренда. Тот же узор появляется на барной стойке, в светильниках и решении тамбура.

Шведская компания представила кресло PS 2026 Easy Chair, созданное дизайнером IKEA Микаэлем Аксельссоном и вошедшее в коллекцию PS. Объект знаменует возвращение бренда к надувной мебели, которая вышла из его ассортимента в 1990-х годах. Идея создания модели возникла у Аксельссона более десяти лет назад, однако компания решила воплотить ее только сейчас. Дизайнер хотел разработать конструкцию, благодаря которой кресло бы не скользило и не подпрыгивало andmdash; в том числе по этим причинам линейку надувных предметов когда-то сняли с производства. Итогом поисков стал металлический каркас, удерживающий внутри мягкие объемы сиденья и спинки. Обе подушки надуваются при помощи ножного насоса и обтянуты яркой зеленой тканью. Еще одно новшество заключается в объеме сиденья: он состоит из двух воздушных камер andmdash; внешнего и внутреннего кольца со встроенным усилителем, удерживающим воздух. Такое решение позволяет пользователю регулировать мягкость.

Фото: IKEA.

Новым результатом продолжающейся коллаборации французского дизайнера и модного дома, начавшейся в 2019 году, стала лампа Corolle. В этот раз Ноэ Дюшофур-Лоранс обратился к архивам бренда, в частности andmdash; к одноименной юбке, переосмыслив ее простой, но в то же время изящный силуэт в функциональном светильнике. Вдохновленная движением ткани andmdash; от складок до драпировок, andmdash; структура светильника приобретает эластичный и воздушный вид. Изделия выполнены вручную из муранского выдувного стекла. После охлаждения стекло становится прозрачным: свет подчеркивает нюансы, раскрывая тонкую игру прозрачных слоев, отражений и материалов. «Световые проекции так же важны, как и работа с материалом, который их создает; они развиваются в собственный формальный язык, а их нематериальность становится чем-то осязаемым. Благодаря этим отражениям сам свет превращается в материю», andmdash; рассказывает дизайнер. Модель доступна в настольной и портативной версиях в нескольких размерах и выпускается в фирменных оттенках Dior andmdash; сером, розовом и белом. Также в рамках сотрудничества с Ноэ Дюшофур-Лорансом Dior Maison представил версию лампы из бамбука мадаке, известного своей гибкостью: она полностью изготовлена вручную ремесленниками в Киото.

Во время Миланской недели дизайна работы представлены в Palazzo Landriani в квартале Брера.

Фото: Dior Maison.

Исторический парфюмерный дом Clive Christian вновь объединился с основателем Crosby Studios Гарри Нуриевым andmdash; на этот раз для создания инсталляции в рамках Миланской недели дизайна. Проект Transformism разместился на террасе Музея Багатти Вальсекки, превратив открытое пространство в интерактивную шахматную доску в натуральную величину. По задумке команды инсталляция создает непрерывный диалог между материалом и восприятием, а также между серебряными фигурами и ароматами Clive Christian. Каждый объект на импровизированной доске вдохновлен фирменными флаконами парфюмов бренда, трансформируя их в архитектурные формы и создавая захватывающий опыт для посетителей.

Фото: Jenia Filatova; Crosby Studios/Clive Christian.